BENVENUTI IN TRANSYLVANIA

Cercando il significato di INCLUSIONE sul vocabolario della lingua italiana si legge: l’atto di comprendere, cioè di inserire, in un tutto.

Un concetto che può sembrare scontato, banale, quasi stucchevole, eppure proprio noi adulti per primi, fin troppo spesso dimentichiamo di includere, di condividere, di aprirci agli altri, chiudendoci in noi stessi ed insegnando lo stesso sciocco mantra ai nostri figli, stupidamente convinti che la solipsistica logica della famiglia-branco, possa in qualche modo proteggerli e proteggerci dal mondo. Niente di più fuorviante e sbagliato ed il nuovo spettacolo messo in scena da il Solechegioca, attraverso i piccoli e diversi talenti del gruppo Fotonici, ancora una volta ce lo ricorda, con sincerità e con una semplicità cristallina ed inappellabile.

Nello specifico, qui abbiamo un gruppo di mostri che ha paura degli umani e che dovrà imparare che spesso l’inclusione, anche se può spaventare, risulta essere una meravigliosa opportunità di crescita ed arricchimento. Non solo, ci troviamo di fronte ad una divisione in seno ai mostri stessi: le streghe si sentono sottostimate, sottovalutate, rispetto al ben più in vista gruppo degli zombie… ecco quindi che si farà largo il concetto semplice eppure rivoluzionario, che l’idea di umanità non è simile a quella di un reggimento che marcia compatto, ma è piuttosto più vicina all’idea di un’orchestra, in cui ognuno suona alla perfezione il proprio strumento, il proprio talento, in cui ogni elemento è fondamentale all’esecuzione della sinfonia.

Concetti semplici ripeto, eppure rivoluzionari, in cui i bambini coinvolti in questa favola proprio a loro dedicata, ma a cui dovremmo prestare molta attenzione anche noi adulti, stravincono, regalando sincerità ed emozione alle parole scritte da Barbara Silvani. Ma c’è molto di più in questo miracolo al sapore di aglio: un trucco e parrucco (come si dice in gergo) esemplare, forse il migliore che la stagione ci abbia regalato, una coreografia esaltante e coinvolgente (di nuovo la migliore che abbiamo visto quest’anno?), le luci materiche e palpabili a cura del sempre ispirato Giuseppe Luisi, la scenografia titanica (questa volta in scena vediamo un intero castello!) opera dell’inossidabile Gus ed infine la regia mai banale o stucchevole, ma sempre in punta di piedi, invisibile, delle meravigliose Cuggins…

Si sarà capito che a chi scrive lo spettacolo è piaciuto parecchio, e qualcuno dirà sicuramente con una punta di malizia, che tante lodi sono motivate dalla presenza nel cast della figliola di questo umile recensore, ma non lasciatevi ingannare, Benvenuti in Transylvania è uno spettacolo che colpisce al cuore per ciò che dice e per come lo dice, rappresenta contemporaneamente l’apice ed un nuovo inizio di un percorso basato sull’inclusione, che affonda le proprie radici nell’anima dell’associazione stessa, fino a diventarne, negli anni, una vera e propria bandiera.

Tornando alla definizione da cui siamo partiti, viene in mente che quel TUTTO in cui ci dobbiamo inserire, altro non è che il nostro riconoscerci come diversi ma simili, il rispetto e la voglia di accettarsi nonostante e comunque, il bisogno di perderci gli uni negli altri, perché va ricordato ora e sempre, che abbiamo bisogno dell’altro, per crescere, per migliorare e per essere veramente e totalmente noi stessi… perché nell’altro ci specchiamo, ci riconosciamo ed è grazie a ciò, che decidiamo di diventare visibili, guardandoci occhi negli occhi e perdendoci tra le braccia l’uno dell’altro. Finalmente uniti.

Ed è assolutamente meraviglioso sentirsi INCLUSI nel Solechegioca, che spesso ride, ma che sempre lo fa molto seriamente.

 

Annunci

L’INVASIONE DEGLI ULTRACORPI

Questa volta cominciamo dalla fine.

Avete idea di cosa significhi per un vecchio cinefilo come il sottoscritto, cresciuto a pane e celluloide, ad invasioni aliene ed animazioni Disney, vedersi dedicare un copione basato su L’invasione degli ultracorti, uno dei suoi film preferiti di sempre? Ve lo dico io, significa emozione, commozione, lacrime e gratitudine e quindi è giusto, per una volta partire proprio da qui, dalla fine.

Il finale è il fulcro pulsante, la scelta critica, consapevole, coraggiosa ed il culmine della meravigliosa simmetria che domina lo spettacolo dei Lunatici, andato in scena il 28 e 29 Aprile al teatro di Calderara. Quel finale che non lascia spazio al non detto, alla speranza e al tanto sospirato lieto fine, è la necessaria conclusione di un discorso basato sulla paura e sull’ansia, un doloroso grido d’aiuto per un’umanità che sta annullando se stessa, smarrita in succedanei di se, impegnata a reiterare la finzione a discapito della realtà, della semplice voglia di incontrarsi, di riconoscersi come simili e dell’umano bisogno di abbracciarsi. Quel finale, ancora una volta, ci urla come un monito, che dipende sempre e comunque da noi e che a farne le spese saranno gli uomini e le donne di domani, i nostri figli. L’umanità merita dunque di essere salvata? Questa è l’urgente ed incandescente domanda che ci pone lo splendido copione scritto da Barbara Silvani, messo in scena da un gruppo di straordinari, coraggiosi, emozionati ed emozionanti ragazzi. Credo che ognuno di noi, sia tornato a casa con la propria risposta e questo, quando il teatro ti pone domande a cui lo spettatore è obbligato a dare risposte, è un vero e proprio miracolo, qualcosa di altissimo, di urgente, a volte doloroso  e forse necessario.

Le meravigliose ed ipnotiche luci di Giuseppe Luisi, questa volta più che mai, capaci di raccontare una storia e descrivere un’emozione, unite alla bellissima scenografia in black & white di Giuseppe Calabrese (al secolo semplicemente “Gus”), fanno da corollario ad una scrittura essenziale, di una lucidità dolorosa, capace di concretizzarsi in una recitazione essenziale, naturalissima, in grado di esaltare il talento di ogni singolo carattere in campo, muovendosi su due registri ben distinti: l’inerme, spaventata e fragilissima umanità della prima parte (fatta di passioni, battibecchi e cotte giovanili), contrapposta in maniera sapiente, coraggiosa e terrificante, all’aliena assenza di essa della seconda.

Concludendo, faticherò moltissimo a cancellare dalla mia mente l’immagine dei tre piccoli sopravvissuti che si accoccolano l’uno sull’altro, cedendo all’umana stanchezza, tremebondi, fragilissimi e fiduciosi di un aiuto che non arriverà mai. Un’immagine di una potenza narrativa enorme, sia dal punto di vista del significato che del significante, uno sguardo verso un futuro che purtroppo si trasforma passato, l’amara constatazione che come umanità, ma prima ancora come genitori, abbiamo fallito e peggio di ogni altra cosa, siamo stati capaci di lasciare soli i bambini, di lasciare soli i nostri figli.

Grazie Bi, per aver donato a questa storia la dignità che meritava, grazie per averci fatto riflettere, grazie per averci fatto emozionare e grazie per averci regalato il miglior copione dell’anno.

L’umanità merita di essere salvata? Rispondete in fretta, il tempo a disposizione è ormai finito.

C’ERA UNA VOLTA…

 

-Cosa vorresti essere?

-Io vorrei essere un Gus.

Fin da quando ho memoria, ho sempre desiderato fare cinema. Mi ricordo che a quei temerari che mi chiedevano: “Cosa farai da grande?” rispondevo con un pizzico di malcelata pomposità: “Farò il cinema.” Non avevo idea del perché, ma sapevo con assoluta certezza che la mia vita sarebbe stata legata in maniera indissolubile alla settima arte e in un senso molto lato, il mio sogno si realizza ogni primo martedì di ogni mese.

Era da tanto, tantissimo tempo, che non ripensavo a quel momento meraviglioso in cui un piccolo essere umano in potenza, può sognare di essere veramente ciò che vuole, mentre intorno a lui, nello stesso tempo, nel medesimo complicato e maledetto istante, tutti gli dicono cosa fare, come essere e addirittura cosa pensare. Non è facile mantenere la propria unicità quando attorno a te sembra che tutto sia già stato scritto e deciso da persone più grandi, sagge ed intelligenti di te, eppure il nuovo spettacolo del Solechegioca, riesce a farci riflettere proprio su questo, ricordandoci che quelli che noi in maniera troppo leggera chiamiamo sogni, possono diventare realtà. Basta volerlo

Prendendo dei veri e propri archetipi, i personaggi delle fiabe, adattandoli e regalando loro insospettabili perle di umorismo, l’autrice e regista Barbara Silvani, è stata in grado di plasmare l’unicità dei caratteri coinvolti, quel guazzabuglio di giovani anime, e unirle insieme con un filo d’argento fatto di grazia e consapevolezza di se. E’ proprio in quel preciso momento che sulle tavole di legno del palcoscenico, 15 isole completamente diverse tra loro per grandezza, sogni ed indole, sono riuscite ad ritrovarsi, riconoscersi ed accettarsi come un unico meraviglioso arcipelago.

Sembra scontato ma non lo deve essere mai:

“Amo la mia vita
Io sono potente
sono bellissimo
sono libero
amo la mia vita
Io sono meraviglioso
Sono magico 
io sono me
amo la mia vita

E infine
Sono dove voglio essere”

C’era una volta… e c’è ancora!

 

 

PAZZI IN LIBERTA’

Pazzi in libertà è stata una splendida follia, un’avventura  che si è presto trasformata in storia d’amore duratura. Di fatto andare a teatro è di per se un miracolo, ma fare teatro lascia davvero senza parole.

Pazzi in libertà è il titolo dello spettacolo a cui ho partecipato con il gruppo teatrale a cui orgogliosamente appartengo, gli Audaci, di solito mi diletto a far recensioni, mettendo insieme qualche parola, per dare il mio punto di vista su quanto visto, non sarebbe quindi giusto avere un’opinione su qualcosa che mi ha visto coinvolto dall’interno, però in molti attendevano comunque qualche parola di commento e quindi, eccomi qui con qualche opinione in libertà.

In molti credono che salire sul palco sia la parte più complicata e contemporaneamente il momento di massima esaltazione, quell’apice catartico, capace di regalare croce e delizia. Non sono così d’accordo, francamente per il sottoscritto il momento più difficile è stato trovare il personaggio, cercare cioè all’interno del proprio spettro emotivo, la giusta intenzione,  intonazione ed intensità. Non solo, la gioia pura mi ha travolto non sul palcoscenico, nel bagno di folla degli applausi, ma personalmente io l’ho trovata nell’abbraccio vero e figurato dei miei compagni di avventura. E’ un fatto, ma non è scontato, che se il gruppo funziona e ci sostiene, allora lo spettacolo sarà comunque un successo, in barba al talento o alla predisposizione di ognuno di noi, perché anche il ruolo più piccolo e la più insignificante sfumatura possono far la differenza. Il Gruppo, o come direbbe Sabina, il Grrrrruppo. Impossibile dar per scontati un manipolo di coraggiosi uomini e donne, capaci di mettere in gioco così tanto di se, capaci cioè di esaltare le caratteristiche, le peculiarità e i punti di forza di ognuno, facendo leva su differenze, similitudini ed umana empatia. Lo spettacolo è il gruppo, la messa in scena di una dinamica, di un’armonia e di un’inclusione che esiste o non esiste solo all’interno dello spazio teatrale, ma che se è ben alimentata, mette radici forti e robuste, anche nella vita vera.

Poi c’è la regia, cioè Dio. Sì perché fatto salvo tutto quello che ho detto prima, nulla funziona davvero se non viene supportato da una vera regia, una guida solida ed ispirata, fedele ed appassionata ricerca di una visione, di un punto di vista e di un progetto. L’attore è creta nelle mani del regista, che sceglie e conosce, vedendo cose che noi spesso non riusciamo a cogliere di noi stessi, esaltando punti di forza e smussando debolezze, nel tentativo a volte difficile, di far funzionare un copione in relazione ad un gruppo, cercando sempre di non tradirne mai il punto di partenza, l’ispirazione e l’anima. Pazzi in libertà ha potuto contare su di una regia straordinaria, che andava a braccetto con una scrittura miracolosa, con all’interno vere e proprie perle meta-teatrali che sfruttando le armi della comicità, hanno saputo raccontare il disagio, la follia, la normalità, la diversità e l’inclusione.

Infine ci sono le anime buone ed erranti che aiutano a completare il quadro, a dar forma al tutto. La scenografia, la coreografia, le luci e in ultimo, ma non ultimo, le fotografie a testimonianza di un percorso, indelebili ricordi di qualcosa che non dimenticheremo comunque mai. Tutti questi silenziosi eppur indispensabili elementi, rendono possibile, tangibile e travolgente la magia, ammantandola di fascino, di musica, di movimenti, di luce rossa e fumo, regalando al pubblico e a che vive lo spettacolo dall’interno, la sensazione di trovarsi in un altrove da cui non ci si vorrebbe svegliare mai.

Pazzi in libertà è stato un sogno, il mio sogno, il sogno che un gruppo di uomini e donne ha vissuto, uniti, abbracciati, incuranti del fatto che un giorno si sarebbero svegliati, chiedendosi se quel miracolo, si fosse davvero compiuto.

Che questo si possa dire di chiunque faccia teatro, ma di certo si potrà dire di noi. Gli Audaci.

 

 

ARRIVAL

Non vi racconterò balle, Arrival è un film complesso, a volte oscuro, nella seconda parte quasi inaccessibile, uno di quei film che pongono dozzine di domande e che costringono lo spettatore a scovare con fatica le risposte, eppure, nonostante tutto, è di una bellezza lancinante, assoluta, quasi dolorosa.

L’odissea terrestre e terrena che Arrival racconta, l’apparizione di dodici enormi astronavi aliene costringono l’umanità ad interrogarsi sulle vere ragioni di questa venuta, è la struttura base di un film che fin dal principio si regge sul linguaggio, l’interpretazione e la lingua, vista come comune denominatore, metro di civiltà e comprensione dell’altro. Proprio sull’interpretazione e la comprensione si basa la prima parte, mettendo davanti agli occhi dello spettatore il non facile tentativo di trovare un punto di incontro, un possibile contatto, tra alieni ed umani, ma anche tra uomini e donne, governi e popoli. Film universale, capace di veicolare messaggi universali ed umanissimi, Arrival è sì prima di tutto una pellicola di fantascienza, ma il viaggio compiuto dai protagonisti, non è rivolto verso le stelle, ma all’interno, nell’intima e segreta capacità di amare, sperare, capire ed accettare, che ognuno di noi possiede. E’ proprio qui, nella parte finale, in cui tutto risulta chiaro, cristallino e dolorosamente evidente, che il film vola altissimo, regalandoci un paio di sincere e meravigliose lacrime, capaci di fermare il tempo e lo spazio, incorniciando Arrival come un punto fermo nella crescita interiore di noi spettatori, di noi esseri umani.

Pellicola sul vivere, sul morire, sul nostro mondo così diviso, su ciò che ci aspetta, sull’enormità che sta alla base del significato di umanità, ma forse e soprattutto sull’importanza del viaggio, seppur breve,  che compiamo insieme alle persone che amiamo e impariamo ad amare, un viaggio che vale sempre la pena vivere, perché tutte le cose hanno un inizio e una fine, ma come nei palindromi, a volte la fine, può essere un l’inizio.

I TRE MOSCHETTIERI

Non facciamo l’errore di pensare che adattare un testo sia facile o banale e non facciamo soprattutto l’enorme errore di pensare che adattare I Tre Moschettieri sia facile o banale. 

Una volta tolti i duelli a fior di lama, l’azione coreografata degli scontri corpo a corpo e le scene di massa, plateali e coinvolgenti, cosa resta? Cosa resta da portare in scena, sopra un palcoscenico? Ve lo dico io, restano un pugno di personaggi e un canovaccio talmente classico (il cattivo che vuol raggirare l’ingenuo re facendo leva sulla fedeltà della sua regina) che farebbe tremare le vene ai polsi di chiunque decidesse di cimentarvisi. Allora cosa abbiamo visto sul palco del Teatro Spazio Reno di Calderara? Ancora una volta, a domanda rispondo volentieri, abbiamo visto sapiente riscrittura, rispettosa rivisitazione, grande regia ed un pugno di ragazzi, anzi di Attori, determinati a gettare il cuore oltre l’ostacolo e mettere tutti loro stessi, al servizio del pubblico.

Entrando nello specifico. La scenografia e le luci questa volta era verso l’infinito e oltre, così come la coreografia sulle note dei MUSE. Ho visto un esilarante Richelieu, coadiuvato da un Cagliostro che ha avuto splendidi momenti comici, mi sono entusiasmato con un Re-ragazzo ingenuo e divertente, tra i più riusciti che mi sia capitato di vedere, con la sua elegante Regina, quasi eterea, accerchiato dalle sue divertenti sorelle e protetto dai suoi prodi Moschettieri. Ho visto una Milady capace di far perdere la testa a chiunque si intrometta tra lei e il suo obbiettivo, duettare con un comparto femminile di attrici davvero credibili, mentre un ubriaco, che sembrava proprio tale, e una guardia del corpo ninja, che restava nella parte anche interagendo con il pubblico, si preoccupavano di strapparmi attimi di vera partecipazione.

Come già detto, tutto etereo, tutto basato su pochissimi elementi e su di una trama che, spogliata di tutto, si fa impalpabile, sfuggente, eppure pur non avendo la forza di un Otello, l’utopia de L’isola dei libri perduti, il sogno di Toy Story o l’ipnotica unicità di Jesus Christ Superstar (per citare alcune opere messe in scena da il Solechegioca) I Tre Moschettieri convince proprio per le scelte di regia, che vanno a braccetto con la scrittura, capaci quindi di dare forma, corpo e sostanza ad una pugno di materia grezza, spesso ostica per molti… un manipolo di ragazzi-attori. 

Uno per tutti e tutti per uno, che il cielo, la Francia e i Moschettieri tutti, veglino sulla regista e i suoi preziosi collaboratori, preservandoli forti e in salute. 

ANIMALI NOTTURNI

Più forte e potente del rimpianto, esiste solo la consapevolezza, la certezza assoluta di aver sbagliato tutto, di aver scelto ciò che era apparentemente più facile e comodo, a scapito del sacrificio, forse dell’amore.

Animali Notturni, il nuovo film dello stilista Tom Ford, che arriva dopo ben sette anni dal suo esordio, il personalissimo A single man, racconta la parabola di consapevolezza di una donna, ormai non più giovanissima, che messa nella condizione di ripensare al proprio passato, scivola sempre più in basso, all’interno di un’analisi personale che metterà a nudo responsabilità e rimpianti, restituendole la desolante immagine di una vita vuota e priva di significato. In senso strettamente paradigmatico, Animali Notturni è anche un film sulla vendetta, la rivincita di una donna, a scapito di se stessa, la riflessione insistita e metaforica di un essere umano, che si scopre debole e fallace.

La cosa veramente interessante, è vedere come Tom Ford decide di mostrarci questa discesa negli inferi dell’anima, cioè attraverso un racconto parallelo di sangue, umana debolezza, punizione e morte. Qui, in questo doppio piano narrativo, l’anima noir della pellicola esce fuori, lavorando di sottile metafora e partecipata empatia, mettendo in scena  gli Animali Notturni del titolo, predatori senza scrupoli che la notte non dormono, ma cacciano le loro prede senza alcuna pietà. Esattamente come Amy Adams ed Aaron Taylor Johnson, animali/uomini capaci di qualsiasi cosa, disposti a tutto, per convenienza o per piacere personale.

Attorno al film, intorno all’apparente vita perfetta della gallerista Amy Adams, prende forma un mondo immobile, irreale, congelato nell’immagine e nella vuota rappresentazione di se, un mondo che vive e si alimenta di  posticci tentativi di vitalità, pur consapevole della propria decadenza e del proprio ineluttabile disfacimento, esattamente come il gruppo di nude, obese e vecchie modelle, che ballano come tante paradossali majorette durante i meravigliosi titoli di testa.

Rimpianto, consapevolezza, vendetta, solitudine e disfacimento, Animali Notturni racconta un mondo vuoto e abbandonato, in cui veniamo lasciati soli con noi stessi, vittime degli stessi errori delle nostre madri, in cui l’amore, se esiste, viene lasciato andare, torturato, vilipeso ed ucciso, un mondo in cui è fin troppo facile e spaventoso riconoscersi.

 

OTELLO

Secondo me, opinione personalissima non suffragata da fatti, William Shakespeare era un nerd… solo un nerd avrebbe potuto descrivere l’amore con tanta disperata intensità e comunicare le emozioni con tanta sofferta partecipazione. Ecco, se quel meraviglioso nerd di William Shakespeare fosse stato al Teatro Spazio Reno, sabato sera, durante la messa in scena del suo Otello, rivista, corretta e reinterpretata da Barbara Silvani (testo e regia) e dal suo eroico manipolo di giovani Punta di Brillante, avrebbe goduto come un pazzo, avrebbe riso, si sarebbe commosso e avrebbe forse visto i suoi versi sotto una luce diversa.

L’Otello messo in scena dai Punta di Brillante, è il caso di ripeterlo ancora una volta, manipolo di giovanissimi attori che serbano dentro al cuore la scintilla del teatro vero, quello che arriva a tutti, non contaminato da sovrastrutture e trucchi, è tentativo riuscito di accecante modernità. Nonostante infatti, qui si stia parlando di tragedie scritte più di 400 anni fa, bisogna ammettere che tutta l’opera del sommo Bardo è di un’attualità sconcertante. In questo senso, vedere battibeccare sul palco Ofelia, Giulietta, Olivia, Caterina, Ecate e Lady Macbeth, ha per esempio una carica eversiva ed umoristica trascinante, non solo, riesce a farci riflettere sulla condizione dell’essere umani e sui ruoli che nostro malgrado, spesso malvolentieri, siamo costretti ad interpretare. Allo stesso modo, i fantasmi dissertano sulle differenze tra uomini e donne, i personaggi interpretano fino in fondo il ruolo assegnato, esattamente come tanti pedoni in una raffinata partita di scacchi e finalmente, inevitabilmente, le tragedie si compiono a suon di musica, scandite dal rimbombo martellante dei bastoni ed ammantate da una macabra ed ipnotica luce rossa.

Può sembrare scontato ma, il teatro è cuore e sacrificio, Shakespeare, Barbara e i Punta di Brillante ce lo ricordano, attraverso la tragedia di Otello, trasformata in apologo sul destino e l’accettazione di se, sulla debolezza umana e la vendetta. Il teatro come matrice per interpretare e capire il reale insomma, cifra stilistica ultima ed intima, perché fatta di carne e sangue, voce e parole, Otello ci ricorda chi siamo e cosa possiamo diventare, rigettandoci addosso la nostra condizione di umani, deboli, stolti, sordi, fragilissimi sacchi di carne. Il resto, tutto il resto è fantasia, poesia e sogno, il resto, tutto il resto, è teatro.

Concludendo, oltre al sempre meraviglioso testo, la regia simile ad una sinfonia e l’interpretazione dei ragazzi tutti, mi piace ricordare ciò che spesso si da per scontato, proprio perché sempre sotto gli occhi di tutti: grazie dunque alle titaniche coreografie di Kia, alle scenografie ispirate di Gus, alle luci di Giuseppe che sempre raccontano una storia nella storia e al commovente backstage di Marcello, che posso garantire facendolo di mestiere, si è fatto un discreto mazzo per rendere la magia di qualcosa che il più delle volte resta sfuggente ed inafferrabile, lo spirito di un gruppo di meravigliosi ragazzi, giovani uomini e giovani donne, che sanno dar voce e corpo ai loro e ai nostri sogni.

Quasi dimenticavo… battuta preferita: “C’è del marcio in Danimarca?… No c’è un freddo porco in Danimarca”.

 

ANIMALI FANTASTICI E DOVE TROVARLI

Ci sono cose che non stancano mai, come la pizza o Harry Potter… Animali fantastici e dove trovarli, risponde al secondo dei bisogni elencati e mi corre l’obbligo di dire che il film in questione è spassosissimo, pieno di idee e portatore sano di una rara e fanciullesca gaiezza.

Sceneggiato dalla stessa J.K. Rowling e diretto dall’autore degli ultimi episodi della saga dedicata al maghetto più famoso di sempre, Animali fantastici e dove trovarli,  è una splendida sorpresa, uno di quei film da rivedere mille volte, perché capaci di diventare la pietra angolare della crescita di un bambino, uno di quei metri di paragone con cui misurare l’universo tutto. Meraviglioso nel significante, piuttosto che nel significato, Animali fantastici… racconta un  mondo che prende vita e sostanza 70 anni prima di Harry, Hermione e Ron, gettando le basi di un universo fantastico, fatto di creature magiche straordinarie, una più bella dell’altra, tutte da difendere ed amare. I soliti guastafeste obnubilati dallo Scrooge-pensiero, vi diranno che questo è il primo di 5 film, nati per farvi mettere mano al portafoglio e spendere gli ultimi spiccioli al servizio di bambini urlanti, desiderosi di tornare ad Hogwarts, ma voi non date loro retta, ha molta più dignità un solo fotogramma di questo film, che l’intera filmografia Marvel, altrettanto desiderosa di sbancare i botteghini di mezzo mondo. La differenza è tutta nella messa in scena, se dalle parti di Thor e soci, non bisogna far altro che mettere in pellicola una serie di disegni, frutto del genio di qualcun altro, qui il discorso cambia, perchè ci troviamo di fronte ad un libero adattamento di parole, punti e virgole.

Non so come la pensiate voi, ma il mondo (cinematografico e non solo) di oggi, si è scordato la meraviglia, l’avventura e la magia, intese come parabole di crescia e formazione. Abbiamo fin troppo spesso demandato questo delicato processo, al mondo degli eroi in calzamaglia, figurine spesso monodimensionali, sovente incapaci di evolvere e risulare qualcosa di più, di un fragoroso momento di svago infantile. Gli occhi acerbi di chi guarda il cinema, hanno bisogno di sognare universi, animali fantastici e magie mirabolanti, hanno la necessità di perdersi nell’incredibile possibilità che esista un mondo magico parallelo al nostro, invisibile e ricco di cose mai viste prima. Chi guarda, ed ovviamente parlo dei bambini, il pubblico principale a cui queste pellicole sono destinate, non può smarrirsi e ritrovarsi completamente e totalmente in un’ipotesi di realtà identica alla nostra, abitata però da super uomini con super poteri; così facendo il sogno e la possibilità di esso, viene costantemente negata dall’opprimente e schiacciante realtà quotidiana, quel tipo di verità empirica cioè, estremamente dannosa per il cinema fantastico e soprattutto per i sogni dei nostri sveglissimi figli.

Animali fantastici e dove trovarli, va nella direzione opposta, una strada ultimamente poco battuta e forgiata nel regno della fantasia e del fantastico, ecco perchè risulta così meravigliosamente coinvolgente, non ha bisogno di essere credibile, muscolare e tonitruante, ma può muoversi in punta di meraviglia, sottovoce, sottraendo e prendendosi il lusso di non correre, ma di prendersi i tempi giusti. E’ comunque impossibile non restare senza parole, una volta entrati nella magica valigia di Newt Scamander, anzi in fondo, la forza del film è tutta nascosta e stipata in quella vecchia cornucopia di cose mai viste, con un non trascurabile problema alla serratura, contenitore di magiche opportunità, capaci di riempire gli occhi di chi guarda, esattamente come faceva un tempo e a volte riesce a fare ancora, il Cinema.

 

 

TOYS

Raro privilegio del teatro e dell’autore, o autrice, che adatta un testo, è quello di usare la propria intelligenza e sensibilità, per parlare apparentemente di infanzia, per raccontare invece noi, il mondo che ci circonda e la fallacità della natura umana. E’ capitato così che ieri sera, mentre assistevo estasiato al debutto di mia figlia nel ruolo di un Furby psicopatico, nel libero adattamento di Toy Story, ad opera dell’indomita ciurma dell’Associazione Solechegioca, non potevo togliermi dalla testa di stare assistendo ad una dichiarazione di intenti, una promessa di integrazione, una riflessione matura, interpretata da chi non ha ancora l’età anagrafica per esserlo sufficientemente, sull’accoglienza dell’altro, del diverso, dello straniero. Parlando di giocattoli, uniti e ad un tempo divisi dall’appartenza alla propria individuale natura intima di balocchi, ognuno così diverso dagli altri, eppure così intimamente ed indissolubilmente agli altri legato, si racconta e si dipana la storia di ciò che siamo, o meglio, di ciò che dovremmo davvero essere. Ecco quindi che i bambini, questi meravigliosi bambini, piccoli uomini e piccole donne di domani, hanno tanto da insegnare a tutti noi: la pazienza, la costanza, l’accettazione e l’attesa incondizionata dell’altro…valori che dovrebbero appartenere al fardello dell’anima immortale di ognuno di noi, perché bisognerebbe capire che alla fine, anche se diversi, bianchi, neri o gialli, siamo tutti giocattoli. E lo spettacolo? I piccoli attori brillano, tutti e in tutti i ruoli, con un paio di lacrime ad incastonarne la sincerità ed il valore, mentre la regia, vera protagonista insieme al testo, è intelligente, ispirata e come nelle opere migliori, invisibile, insomma Toys è opera completa, complessa e proprio per questo di una semplicità disarmante, proiettata in un domani, già confortevolmente abitato dai nostri intelligenti e sensibili figli, in cui essere diversi rappresenta una ricchezza inestimabile, un valore da difendere ed esaltare, come la nostra libertà di essere ciò che vogliamo essere e di sognare ciò che vogliamo sognare. Aprite le finestre, le porte ed i vostri cuori, il domani è già oggi, negli occhi, nelle parole e nei gesti dei nostri bambini.

LEGEND

Nel lontano 1985 Ridley Scott, 5 anni dopo il suo capolavoro Blade Runner sorprese tutti e lasciò interdetti molti, dirigendo un film fantasy che ancora oggi lascia perplessi alcuni. Legend è un ottimo fantasy, figlio di una logica produttiva ormai defunta, probabilmente uscito in un periodo poco felice, di quegli anni infatti sia Labirinth che Lady Hawk, eppure forte di una sua dignità. Le scenografie sontuose, i trucchi ipnotici di Rob Bottin, la sensuale innocenza di Mia Sara, l’acerba fisicità di Tom Cruise e il luciferino carisma di Tim Curry, contribuiscono a creare un racconto fantastico prezioso per raccontare l’adolescenza. Proprio quel passaggio delicatissimo tra la giovinezza e l’età adulta, sembra essere il vero protagonista di un film che rivela parecchie sorprese. La scoperta del sesso, dell’attrazione, della seduzione, tutte tematiche che Legend blandisce e suggerisce, accarezzando i corpi e le labbra dei suoi protagonisti. Non è un caso che l’arrivo dell’oscurità, mai come in questo caso rappresentata dal peccato in persona cioè il demonio, coincida con la morte della purezza, dell’innocenza, forse della verginità, qui impersonificata dagli unicorni. La regia di Scott, sempre elegante ma essenziale, sottolinea le dinamiche tra i protagonisti, regalandoci, soprattutto nella parte iniziale e in quella finale almeno un paio di sequenze di una bellezza disarmante. In questo senso, sia l’incontro ravvicinato tra Mia Sara e gli unicorni, culminante in una corsa mozzafiato e il taglio del corno in mezzo ad una tempesta di petali rosa, è qualcosa che non si dimentica facilmente, esattamente come la danza sensuale e bellissima tra la protagonista e l’abito da sposa nero, che il diavolo Tim Curry ha scelto per lei. Legend resta una pellicola probabilmente più adulta di quel che sembra, destinata ad essere rivalutata negli anni, uno spettacolo elegante e ricco di dettagli, lontanissimo dalla cgi tutta uguale di oggi, ma frutto di un’alchimia cinematografica, figlia della visione matura di un grande regista.

DE-GENERANDO: Alta Fedeltà… al Cinema

Il cinema dell’Alta Fedeltà: dischi, radio e band… un tuffo nella musica e nella riproduzione di essa. Il fantasma del palcoscenico, Talk Radio, The Commitments e tanti altri, in una playlist ideale per ricordare un passato analogico che fu.

Buona Visione.

L’ISOLA DEI LIBRI PERDUTI

And i been waiting for this time to come around but baby running after you is like chasing the clouds

Questo è un estratto di Story of my life, dei celeberrimi One Direction, brano che chiude in maniera commovente L’isola dei libri perduti, mirabile adattamento teatrale, interpretato da adolescenti, del libro scritto da Annalisa Strada. Ora può sembrare strano che un blog che si occupa di cinema, conceda così tanto spazio al teatro, ma è il privilegio di chi è poco visto, letto o ascoltato, un privilegio di libertà e di sovversione intellettuale, che a volte diventa un manifesto, una dichiarazione d’intenti, esattamente come è capitato a questo splendido adattamento. Libertà, sovversione, crescita… di questo in fondo parla L’isola dei libri perduti, un testo perfetto per rappresentare un’età splendida eppure ingrata come l’adolescenza. I libri in questo senso sono una metafora perfetta per raccontare il cambiamento, la trasformazione, l’accettazione di se, così come il bisogno di fuggire da se… la famiglia vista come fardello prezioso ed indispensabile da cui allontanarsi (soprattutto a livello ideologico) è difficilissimo eppure necessario, per abbracciare la crescita e il divenire altri. Difficile trasportare tutto questo sul palcoscenico, significa trasferirci il proprio vissuto, le proprie esperienze, sogni ed idee, cosa ancora più difficile quando gli attori sono adolescenti. Diciamocelo forte e chiaro non ci aspettiamo nulla dagli adolescenti, non siamo abituati ad ascoltarli e non siamo preparati a coglierne le inquietudini, i malumori ed il bisogno disperato di uscire dai loro corpi. L’isola dei libri perduti racconta tutto questo e facendolo racconta di noi, dei nostri figli e soprattutto di ciò che loro sognano e pensano, perché ciò che sognano e pensano non è diverso da ciò che sognavamo e pensavamo noi. Si chiama crescita ed è la cosa che ci terrorizza di più in assoluto, perché significa assenza di controllo e ciò che non possiamo controllare ci fa paura, tanta paura. L’isola dei libri perduti ci ricorda tutto questo ed ha l’ardire di farlo con sincerità, commovendoci fino alle lacrime, utilizzando le parole di quei ragazzi, uomini e donne di domani, che dovremmo abituarci ad ascoltare con maggior attenzione. Il resto lo fanno la scenografia, le luci, la regia, le ispirate interpretazioni di tutti e le note di Story of my life, che ci ricordano, mentre le lacrime solcano il nostro viso e quei ragazzi ci salutano per abbracciare finalmente le loro preziose ed uniche vite libere da ogni stereotipo, che crescere è la cosa più dolorosa e spaventosa che ci sia, ma se proviamo a farlo insieme, abbracciati stretti l’uno a l’altro, allora potrebbe trasformarsi nella più straordinaria delle avventure.

KRAMPUS

Partiamo da una necessaria premessa: chi non conosce i Krampus faccia una ricerca sul web e si informi subito, perché si tratta di una tradizione affascinante e spaventosa, appannaggio dell’Alto Adige e del folklore tedesco, legata a San Nicola (Santa Claus), alla sua ombra e che si celebra ogni anno il 5 Dicembre.

Krampus è anche il titolo di un horror veramente perfido, tra i più interessanti che mi sia capitato di vedere ultimamente. In occasione del Natale, una tipica famiglia americana celebra la festa più famosa dell’anno, ospitando l’invadente nucleo familiare della di lei sorella; ovviamente l’atmosfera si farà subito incandescente e questo porterà il figlio minore ad esprimere un pericoloso desiderio… Vera sarabanda natalizia di cattiverie assortite, non viene risparmiato niente e nessuno nemmeno gli omini di pan di zenzero, Krampus, procede spedito e veloce affastellando orrori piccoli e grandi. Contaminato da una forte dose di umorismo nero, Krampus è il tipico film che ricorda un cinema che avevamo dimenticato, appannaggio di un passato che proponeva pellicole come Gremlins di Joe Dante, dedicate ad un pubblico consapevole della possibilità che a volte un film per famiglie, possa nascondere alcune insidie. Krampus non risparmia nessuno dei suoi protagonisti, vuoti simulacri di uno spirito natalizio inutile e sciocco, triste appannaggio di un ridondante mucchio di tradizioni vetuste e polverose, laccate di nuova e scintillante ipocrisia. Non è un caso che il film si apra con le assurde immagini di ciò che capita negli Stati Uniti durante in Black Friday, quella giornata in cui i saldi la fanno da padroni e la merce viene venduta con sconti imbarazzanti, una giornata in cui di fatto succede di tutto e i grandi magazzini vengono presi d’assalto, con fiumi di persone in fila fin dalle prime luci dell’alba. Non esiste nulla di meno natalizio, niente di più deprecabile di quell’inno al consumismo sfrenato, capace di tirar fuori il peggio da chiunque. Krampus mantiene ciò che promette, mettendo in scena un incubo al sapore di zenzero, dedicato probabilmente alle famiglie, capace cioè di far riflettere, spaventando, sul vero significato di una festa che proprio nella famiglia trova il suo più profondo significato. Non dispiace poi il finale, per una volta cattivissimo, perfettamente in sintonia con una favola nera come la pece, capace forse di cambiare la prospettiva cinematografica di qualche spettatore più piccolo (non troppo piccolo però, il film ha momenti sinceramente horror), esattamente come capitò a me e a quelli della mia generazione, quando tanti anni fa, nel buio di una sala cinematografica, ci innamorammo di Gizmo, dei Gremlins e di una magia chiamata cinema, che da allora ha stregato il nostro cuore.

IL LIBRO DELLA GIUNGLA

Sorvolando sulle discutibili motivazioni alla base della mania Disney di trasformare i propri classici a cartoni animati in film live action, tendenza che per esempio ha regalato al mondo quella schifezza di Maleficent, bisogna ammettere che contrariamente ad ogni aspettativa, Il libro della giungla è un ottimo film con un paio di momenti di rara potenza cinematografica. Francamente il vostro affezionatissimo era parecchio scettico, principalmente per un paio di ragioni: in primis un’affezione quasi morbosa verso il classico animato del 1967, uno dei migliori film Disney di sempre ed in secondo luogo, una fortissima perplessità verso una cgi così invasiva ed onnipresente. Il libro della giungla è un film che ti fa rimangiare ogni pregiudizio, consapevole della propria potenza cinematografica e delle idee, alcune potentissime, che lo tengono insieme. John Favreau, già regista di Iron Man, regala al film quella concretezza e quella verosimiglianza di cui ha bisogno, immergendo l’intera notissima vicenda in uno scenario affascinante ed avvolgente, in cui gli animali parlano, provano sentimenti contrastanti e soprattutto lottano furiosamente, anzi, quasi spaventosamente. Se la tigre Shere Kahn è un cattivo di lusso, spietato e carismatico, se la pantera Bagheera e l’orso Baloo hanno il compito di guidare il coraggioso Mowgly, ma sanno anche tirare fuori le zanne e gli artigli al momento giusto, bisogna ammettere che la vera sorpresa del film è il re delle scimmie, Re Louis, francamente terrificante, enorme, possente e spietato, molto lontano dal vecchio adorabile Re Luigi, che in originale aveva la travolgente voce di Louis Prima. Proprio nei toni più sinistri, come l’incontro con lo smisurato boa Kaa, Il libro della giungla ha i suoi momenti migliori, sequenze che atterriscono per quanto recuperano il vero spirito celato nell’infanzia e nella crescita, un bisogno necessario, troppo spesso dimenticato, di contaminare la fiaba con la paura vera. Ogni favola classica (Biancaneve, Barbablù, Pollinico, Hansel e Gretel, Cappuccetto rosso…) contiene la stessa dose di meraviglia e terrore, perché i bambini non scordino mai quanto dolore, paura e crescita, siano in realtà fortemente legati; è stata la Disney a farci credere che non fosse così, costruendo un mondo di zucchero filato e stupore, addomesticando quelle storie e rendendole più fruibili da un pubblico di genitori ansiosi. Il libro della giungla restituisce dignità alla paura, almeno in un paio di straordinarie sequenze, riportandola al cinema e gridando a squarcia gola la propria anarchica sovranità, fatta di sangue, fuoco e morte, là dove fino a poco tempo fa, regnavano solo amore, umorismo, acconciature vaporose e tanta prevedibile bontà. Un grande film, davvero.

LUI E’ TORNATO

Lui è tornato, recita il titolo di questo bel film, ma la domanda è forse un’altra: lui se ne è mai andato? Adolf Hitler si risveglia nel centro di Berlino in pieno 2015, cosa è cambiato del mondo che conosceva e come reagirà la Germania di oggi all’ingombrante figura del più famoso pazzo assassino che la storia abbia mai conosciuto? Bisogna dire una cosa di questo film, non gli manca il genio e nemmeno il coraggio, la pellicola infatti affianca una narrazione più tradizionale, benché paradossale, ad una serie di vere candid camera girate tra la gente comune. Sorpresa, parecchi cittadini tedeschi, ma anche europei (proprio nel finale il film allarga polemicamente la propria visione), sarebbero disposti a sostenere un partito politico di estrema destra, che portasse avanti gli stessi ideali del Fuhrer. Infatti il nostro Hitler protagonista, fa gli stessi discorsi di un tempo, suscitando le stesse simpatie e gli stessi consensi di un tempo, è vero, qualcuno dissente pesantemente, ma sono comunque una minoranza, poca cosa a confronto del consenso quasi totale suscitato dalle considerazioni del nostro. Lui è tornato, fotografa un paese che ha smarrito la propria memoria storica, decidendo così di ripetere con leggerezza gli stessi errori del passato, quello che manca è un leader capace di trasformare quel malumore e quella recrudescenza razzista che sembra pericolosamente diffusa, in un movimento politico credibile e concreto. Film a tratti divertente, ma più spesso pericoloso ed inquietante, Lui è tornato è una riflessione schietta, lucida e sconcertante su ciò che alberga nel cuore dell’Europa e in quello di ognuno di noi, erroneamente convinti che il passato resti immobile ed irripetibile, una parata di fantasmi ormai lontani, da studiare tra le pagine di un libro. Alla fine della visione resta un malessere diffuso e una domanda, sepolta in profondità: ma se un film simile venisse fatto in Italia, sostituendo a LUI… L’ALTRO? Mi tremano le vene dei polsi al solo pensiero di ciò che potremmo scoprire.

IL FANTASMA DELL’OPERA

Il Teatro! Di solito il sottoscritto si occupa di cinema, ma questa sera ho assistito ad un miracolo, quindi perdonatemi se vado fuori tema, ma devo mantenere una promessa. Chi mi conosce o frequenta queste pagine, sa della mia passione per il musical ed in particolare per The Phantom of the Opera, il primo vero musical che io abbia mai visto in un teatro, in quel di New York in una lontana estate del 2001… Il teatro dicevamo, cos’è il teatro? Cuore? Passione? Magia? Fortunata coincidenza? Io penso ci sia del miracoloso in un manipolo di attori che si affollano attorno ad un testo adattato da un regista, cercando di dargli voce e senso, nel tentativo di regalare un’emozione, anche piccola, ad un pubblico impaziente e spesso distratto. L’associazione Sole che Gioca, piccola realtà teatrale aperta ai talenti di grandi e piccini e capitanata dal suo indomito ammiraglio, Barbara Silvani, questa sera ha osato mettere in scena un libero adattamento de Il fantasma dell’Opera, senza lesinare idee, umorismo, intensità, musica e soprattutto tanto coraggio. Sfidando ogni comune buon senso, il gruppo di giovanissimi ragazzi saliti sul palco, hanno dato tutto, credendo fermamente nelle proprie capacità ed abbandonandosi completamente alla visione della loro regista. Parabola sull’amore e sull’apparenza, metafora di un mondo superficiale e spesso crudelmente determinato a convincerci che sia importante ciò che gli altri pensano di noi, Il fantasma dell’Opera diventa, nelle mani di questi piccoli grandi eroi, un testo attuale e pulsante di vita, una bella riflessione sulle maschere che siamo costretti ad indossare e sull’oscurità, che avvelena il nostro cuore. Ecco, questo è per me il teatro, la capacità da parte di un gruppo di persone speciali, di mettersi a nudo senza vergogna, di fronte ad una platea di loro simili, senza alcuna paura di mostrare la propria fragilità e permettendo agli altri, anche solo per un istante, di poter sbirciare nell’infinito della loro anima, per potercisi riconoscere e forse smarrire. Un miracolo dicevo, ma forse preferisco usare la parola sogno, un sogno da cui non avrei voluto svegliarmi mai. Grazie ragazzi.

 

ZOOTROPOLIS

Benvenuti a Zootropolis, città utopia in cui prede e predatori vivono fianco a fianco, cercando di trasformare le differenze in opportunità. Presentando una vera e propria trama gialla, una delle poche che il mondo dell’intrattenimento per bambini ci abbia regalato, Zootropolis è l’ennesimo esempio di come stia cambiando l’animazione. Ultimamente infatti stiamo assistendo ad una vera e propria evoluzione della narrazione nei film dedicati ai ragazzi, destinata ad abbracciare tematiche complesse, più adulte, pur mantenendo un delicato equilibrio, che ne lascia inalterato lo spirito fanciullesco. Prendiamo ad esempio questo Zootropolis, ultima fatica di casa Disney, votata alla comprensione e all’accettazione del diverso, non che alla realizzazione dei propri sogni, pellicola apparentemente innocua, che invece nasconde un mondo ben più complesso, adulto e ricco di celate meraviglie. Zootropolis è la tipica pellicola fruibile a diversi livelli, i bambini ne rimarranno meravigliati e piacevolmente divertiti, mentre gli adulti potranno da un lato perdersi tra le invenzioni visive del film (la città con i suoi diversi distretti è un universo a parte da scoprire ed ammirare), mentre dall’altro non perderanno occasione per riflettere su tematiche ben urgenti ed attuali. Fuor di metafora, nella parabola sulla diversità messa in scena dal film (un predatore resta sempre un predatore) c’è molta attualità e se vogliamo, una riflessione addirittura politica, non banale. In un mondo globalizzato, aperto, esattamente come quello di Zootropolis, in cui vivono e convivono, individui di diversa razza, credo e religione, non è affatto scontato riflettere su quella diversità e di come per alcuni, rappresenti un limite e non una risorsa. Il film quindi, prendendo una posizione molto netta ed usando comunque l’arma del sorriso, ci dice che abbiamo il dovere di accettare e difendere le peculiarità di ognuno, perché solo in questo modo potremo definirci esseri umani degni di questo nome, cittadini globali di un mondo i cui confini si restringono sempre più, mentre le barriere si abbattono, i muri cadono e le differenze vanno viste come una ricchezza inestimabile.

 

GOODNIGHT MOMMY

Ecco quel bel cinema austriaco, che quando lo guardi ti fa digrignare i denti e distogliere lo sguardo.

A dispetto di ciò che si pensa, si deve vivere parecchio male in Austria, perchè a ben guardare le pellicole che attraversano le alpi, per gettarsi in pasto al mercato internazionale, hanno un che di meravigliosamente malato. Lasciando da parte le battute di spirito, ecco che dopo aver esplorato ed amato il cinema di Aneke, ci viene data ora la possibilità di dare una sbirciatina a Goodnight Mommy, opera a dir poco controversa di Severin Fiala e Veronika Franz, entrambi al loro debutto dietro la macchina da presa in un lungometraggio.

Una mamma torna a casa dai suoi due figli gemelli dopo aver subito un intervento di chirurgia plastica al viso. Ancora bendata e dolorante per l’operazione subita e soggetta a sbalzi di umore sconfinanti nella collera, subisce la crescente ostilità dei bambini, sempre di più convinti che il comportamento della madre, sia causato da un vero e proprio scambio di persona, assolutamente certi che la donna giunta a casa dall’ospedale non sia la loro mamma.

Esteticamente ineccepibile, tematicamente malatissimo e sottilmente velato di un corroborante sadismo, Goodnight Mommy è una sorpresa magnificamente inquietante, un manifesto malato all’amore madre figlio, di lancinante brutalità. Non lesinando le sequenze forti, a volte quasi insopportabili ed avvolgendo tutto in un’atmosfera rarefatta ed esteticamente asettica, Goodnight Mommy si concentra sull’identità, sull’altro e sulla percezione di se, costruendo di fatto un impazzito mosaico in cui domina violentissimo, l’amore. Film non per tutti gli stomaci, ma necessario per scoprire una cinematografia spesso sommersa, dimenticata, preziosa, Goodnight Mommy regala momenti forti di un cinema degenere.

Lucida istantanea di una genitorialità solipsista e sorda, incapace di ascoltare le silenziose grida d’aiuto di una generazione di figli abbandonati ad una crescita repentina, dolorosa e profondamente solitaria.

 

31

Ci sono registi, artisti, che sono fuori dal tempo, congelati in un fiume di pensieri, concetti ed emozioni, completamente personali ed indipendenti.

Rob Zombie, dopo lo splendido Le streghe di Salem, pellicola che abbiamo visto in 12 ed apprezzato in 2, resta ancora una volta al di fuori del main stream, ai lati del successo di pubblico, fuori dai gusti dell’omologazione e continua il suo personalissimo e sofferto percorso, verso un cinema adulto, poco incline al compiacimento di se e alla masturbazione psicologica.

31 Racconta di un gruppo di artisti circensi rapiti da un manipolo di pazzi psicopatici, che nella notte di halloween (ecco il 31 del titolo) li sottopongono ad un crudele gioco all’ultimo sangue… Rob Zombie, come già detto, ci regala un film fuori dal tempo, una scheggia impazzita, piombata da un passato furibondo e sanguinante, in cui nulla ci viene risparmiato o celato. Nani nazisti psicopatici, fratelli clown con motosega al seguito, Eros e Thanatos… sembra non esserci limite alle fantasie del furibondo regista, che infarcendo il suo film di immagini malate e rimandi sgradevoli, mette in scena un gioco al massacro, che non ha vincitori e vinti, ma solo vittime, esattamente come il personaggio del cinema è vittima e carnefice nei confronti dei film che interpreta.

Solo il pubblico quindi, che guarda e giudica, decretando vita e morte di una pellicola o di un autore, è il vero colpevole, superiore ed intoccabile, pronto ad indossare maschere e demolire la vita altrui, per puro piacere personale o per gioco.

Il finale, in questo senso, ha la dignità e la ferocia del vero cinema, di quel cinema che se ne infischia delle regole e decide di essere se stesso fino in fondo, anche a luci accese e proiezione finita, a gioco concluso. Il personaggio smette di essere tale, si fa uomo ed il film diventa vera vita, mettendo in scena la morte, fino in fondo, ad ogni costo, digrignando i denti e sorridendo di fronte alla libertà di scelta che si cela dietro al suicidio artistico di chi lo ha creato.