Come al solito.

Titoli di coda.

Fine.

Che strano film questo The iron lady, pellicola sulla vita di Margaret Thatcher, senza indagarne davvero la storia e deciso a concentrarsi  invece sul grigio presente dell’ex primo ministro.

Sì perchè attraverso le quasi due ore della sua per nulla noiosa durata The iron lady, ci presenta una donna anziana, piegata dagli anni e dalla malattia, perennemente preda del passato e in balia del ricordo del defunto marito.

Questo singolare ritratto quindi ci presenta gli eventi passati come sporadici, frammentari, spesso monodimensionali. Quello rappresentato qui non è un vero biopic, una biografia cinematografica fatta di luci ed ombre, dettagliata e determinata ad indagare la controversa figura della Thatcher a partire dalla sua formazione, fino alla sua ascesa e successiva caduta, ma quello che interessa alla regista è il ritratto di una donna del presente che si abbandona al passato e ai suoi fiammeggianti e vividi flash back.

L’elezione, la recessione, le proteste, gli attentati e la guerra delle Falkland, sono solo brevi lampi di luce in una memoria ormai logora e deteriorata, che confonde tutto e tutti, mettendo lentamente a fuoco solo alcune cose. Ogni cosa si mescola e si frammenta quindi, rischiando di raccontare tutto e niente allo stesso tempo, appiattendo l’intera vita di una donna straordinaria, ad una serie di brevi anedotti indagati con spericolata velocità e fin troppa turistica fretta.

Dal punto di vista cinematografico e storico questo patto di stabilità risulta estremamente comodo, incapace com’è di scontentare alcuno. Nella superficiale rappresentazione delle questioni affrontate, non si approfondisce mai, annacquando ogni sfumatura nell’ambiguità di una terra di nessuno abitata esclusivamente dal ricordo. Il passato rappresentato da The iron lady è perennemente confuso da un presente consumato dal compiacimento e dal rimpianto, incapace di fatto a presentarsi a noi con la schietta e sincera voce della verità e dei fatti.

Meryl Streep è straordinaria.

Come al solito.

Titoli di coda.

Fine.

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Chi scrive non è un’educanda, anzi, ne ho viste di cotte e di crude in tanti anni di frequentazioni cinematografiche, eppure The Woman di Lucky McKee ha la capacità di turbare nel profondo. Vista la peculiarità della pellicola e la sua ovvia esclusione dal circuito mainstream, due parole sulla trama.

Un padre di famiglia durante una battuta di caccia nei boschi si imbatte in una misteriosa donna selvaggia, che vive allo stato brado. Il “brav’uomo” decide di catturarla e rinchiuderla in cantina. Ovviamente la reclusione non andrà esattamente nel modo sperato e per la famiglia sarà l’inizio di qualcosa di inarrestabile.

Con l’urgenza lorda di sangue, tipica del miglior prodotto di genere, The Woman si consegna con furia alle nostre attonite pupille, stuprando il nostro senso della misura ed innescando un pericoloso cortocircuito emotivo a metà strada tra l’orrore e la libertà. Spiazzato, lo spettatore si troverà a desiderare l’orrore, per poi pentirsi di averlo fatto una volta che questo sarà esploso in tutta la sua totale, devastante e anarchica cecità.

Pellicola estrema di grande potenza espressiva e teoretica, The Woman si fonda su di un assunto semplicissimo ed inevitabile, l’eterno tentativo, destinato comunque a fallire, da parte dell’uomo di dominare, piegare e stuprare (è proprio il caso di dirlo) la natura. Senza sconti per nessuno e con una furia senza precedenti la Natura affermerà se stessa ancora una volta, spostando il limite del mostrabile qualche centimetro più in là del consentito.

Necessario postulato di violenta autorità, finalmente e ferinamente fattasi carne e donna.

Non per tutti, ma assolutamente da recuperare.

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Guardate che non c’è da scherzare, nessuna risata sotto i baffi o alzata di spalle per favore, il Belgio è un paese che cinematograficamente ci fa le scarpe.

Passino i celeberrimi e premiatissimi fratelli Dardenne, ma qui siamo dalle parti del noir e Rundskop, film che che mi ha ricordato per certi versi l’interessante Calvaire, è candidato al premio Oscar come miglior film straniero.

Sì perchè noi, che abbiamo regalato al mondo il neo realismo, ci perdiamo appresso ai Manuali d’amore e alle Vacanze di Natale, mentre gli amici belgi coltivano con passione e intelligenza, il genere cinematografico, imponendosi all’attenzione del mondo alla stregua dei celeberrimi cugini francesi.

Quindi non c’è proprio niente da ridere.

Violento, rurale, asciutto e dolente, Rundskop, racconta con rara ed indimenticabile efficacia, l’inizio della fine delle fragili certezze di un uomo che si trova ad affrontare il proprio passato. Il destino e l’impossibilità di sfuggire da se stessi, sono ovviamente gli abusati temi messi in campo dal film di Roskam, la sincera peculiarità della messa in scena e la possente fisicità del protagonista fanno il resto, consegnandoci un film bello ed inevitabile come la caduta di un pesantissimo sasso.

Permeato da un lercio senso di ineluttabilità, avaro di consolazioni ed arcigno nel descriverci sentimenti come l’amore e l’amicizia, Bullhead ha l’urgenza dell’apologo e la profonda bellezza della parabola. Sussurrato e raramente gridato, sfumato eppure difficile da dimenticare, questo piccolo grande film con il piglio del racconto documentario, racconta un’umanità diversa e sotteranea, non meno degna di sognare, credere e innamorarsi.

Un’umanità e un umano sentire per certi versi davvero indimenticabile.

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Sì, ho scritto proprio brutto, quindi se volete potete immediatamente cambiare blog e rivolgervi altrove per sentir decantare le lodi di questo vuoto esercizio di stile. Di contro, se vi interessano le ragioni che mi hanno mosso a questo tipo di valutazione non vi resta che continuare a leggere.

Non stupiscono affatto le numerose candidature ottenute da questo brutto film, dicevo, in quanto a ben guardare l’Academy ha pensato bene di omaggiare se stessa e contemporaneamente riparare ad un torto.

Ma andiamo per ordine.

The Artist è un film muto prodotto nel 2011 e questo secondo alcuni basterebbe a farne un capolavoro, un’ardita operazione mai tentata prima. Nulla di più sbagliato, già Mel Brooks con il suo ben più vitale Silent Movie, omaggiava il mondo delle comiche silenziose, assemblando una folle scommessa che aveva in nuce l’essenza del genio. Al di là dei precedenti, quello che The Artist mette in scena è una storia piuttosto povera, anche se a tratti non priva di spunti, banalizzata dalla stessa prigione priva di parole che si è creata attorno. L’impossibilità di parlare purtroppo appiattisce il film, arrivando ad impoverire tutto il complesso narrativo, in questo senso l’interessante piega presa dagli eventi, quando il cinema muto deve finalmente piegarsi al sonoro, perde la profondità che qualche bel dialogo le avrebbe invece regalato .

Il vero problema di The Artist è la similitudine e purtroppo per lui il confronto con un mostruoso capolavoro assoluto come Viale del tramonto, di quel genio che fu Billy Wilder, vera ed assoluta riflessione a tutto tondo sul cinema, il sonoro, la fama e l’ossessione. Proprio a causa di ciò l’Academy tenterà di rimediare al torto fatto molti anni or sono nei confronti di Sunset Boulevard e dei suoi straordinari protagonisti, pensando così che premiando The artist, omaggerà in modo postumo uno dei film più straordinariamente ignorati di sempre e non da ultimo se stessa e la sua storia.

Ma il confronto è impari e non regge nemmeno per la durata di un batter di ciglia, The Artist è solo un mero esercizio di stile, un divertito omaggio ad un cinema che non esiste più. Scalfendo solo la superficie e non arrivando mai al cuore del problema, schivando accuratamente la tragedia e la catarsi che avrebbero probabilmente conferito maggior profondità e prospettiva all’intera vicenda, il film resta una divertente parabola ballerina, abitata da un manipolo di bravissimi attori, impossibilitati a parlare.

Quello che disturba veramente però, è l’aura di intoccabile santità di cui si ammanta il film, come se solo per il fatto di aver deciso di non usare la parola, dovesse collocarlo fuori dal tempo e dallo spazio, escludendolo dalle critiche e dalle valuazioni. In questo senso, nessuno potrà affermare che il film sia noioso, senza esser taccaito di ignoranza e scarsa profondità d’animo.

Personalmente per tutta la durata della visione non sono riuscito a scacciare dalla mia mente l’insistita ed insinuante immagine del regista e dell’intero cast, con un compiaciuto sorriso di supponente superiorità sul volto, sornione e guascone, beffardo e fin troppo raggelato, studiato a tavolino e un tantino spocchioso, il sorriso di chi sa che gli altri, coloro che non apprezzano e non possono capire, sono tutti degli emeriti imbecilli.

Mi presento, mi chiamo Matteo Righi e sono un imbecille… e ora mister DeMille sono pronto per il mio primo piano.

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Al di là della parabola sulle scelte, la crescita e le occasioni mancate, francamente già vista dozzina di volte, quello che rimane è un film sullo sport americano per eccellenza, il baseball. Non che ci sia nulla di male in questo, anzi altrove questo gioco da me praticato in gioventù, ha saputo regalarci e regalarmi fior di emozioni, penso per esempio a Il migliore, a Ragazze vincenti e anche a L’uomo dei sogni, pellicole che da sole hanno alimentato una mitologia sportiva, fatta di umanità e pathos.

La verità è che Moneyball, scusate ma mi rifiuto di usare il terrificante titolo italiano, è un film freddo e glaciale come le statistiche di cui racconta. Qualche volta si sorride e sporadicamente ci si interroga su come andranno gli eventi, ma l’emozione non si impossessa mai dei nostri cuori, lasciandoci inerti e indifferenti a ciò che vediamo sullo schermo. In questo senso, la parte finale del film, sulla carta la più trascinante, è vissuta e rappresentata con trattenuta partecipazione, come a voler dimostrare la totale assenza di emozione in un gioco che di umano non ha quasi più nulla.

Il cinema però è altro, è partecipazione, empatia, cameratismo ed entusiasmo, poco ci azzecca con l’ascetica rappresentazione di una realtà asettica. Il cinema è capace di prenderci per mano e trascinarci fuori di casa a tarda sera, di farci perdere la testa e di cambiarci la vita, è l’esatto opposto della ragione, è puro sentimento. Moneyball è un film impeccabile, così come lo sono il  suo protagonista e una schiera di straordinari non protagonisti, ma purtroppo non abbandona mai le fredde mura della nostra mente, per attecchire nel calore del nostro cuore e quindi della nostra memoria.

Personalmente, l’Oscar è lontano anni luce.

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La verità è che The help, apologo dolce amaro sull’integrazione razziale e la crescita dei figli altrui, conquista fin dalla prima inquadratura.

Ci ho dormito sopra, come faccio sempre, e sono giunto alla conclusione che a prendere in ostaggio il mio cuore, più delle brave protagoniste, dell’evidente imporktanza del tema trattato e dell’impeccabile messa in scena, sono state la dignità qui rappresentata, unita allo sconfinato amore. Sì perché qui si racconta soprattutto della dignità di donne speciali che dispensano amore vero e incondizionato a bambini che ne hanno bisogno per  diventare uomini e donne di domani.

La parabola/favola che sfocia in un’emancipazione femminile dovuta e necessaria, non deve spaventare ne suscitare alzate di spalle, ma va presa per quello che è, una circolare riflessione sull’intima essenza dell’essere veri ed umani. Il tanto insistito invito ad essere Bella, Brava ed importante, ripetuto con pazienza ed infinito amore alle fragili ed innocenti figlie di un’America ottusa e ancora acerba, ha nascosto in se il profondo significato di un film quasi interamente abitato da donne, che piacerà anche a quegli uomini che non hanno smesso la buona abitudine di dialogare con la loro innata parte femminile, padrona del loro cuore.

The Help scorre così, veloce e spesso divertente, distrattamente determinato a scavare un indelebile solco nella nostra coscienza con le affilate armi del rispetto e dell’umanità. Pellicola di donne buone e perfide, di figlie vecchissime e madri modernissime, apologo sull’eguaglianza e l’importanza del far sentire la propria voce, sempre con molta dignità.

The Help, vi piaccia o no, conquista fin da subito, colpendo la parte molle della nostra anima e facendo in essa germogliare il delicato fiore della comprensione e dell’empatia, un dono raro al cinema, ma soprattutto un dono profondamente sincero.

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Questa discutibile caratteristica mi porta spesso ad esaltare pellicole semplicemente molto belle, come veri e propri capolavori. Non so se questa caratteristica sia comune a tutti coloro che amano il cinema, costantemente alla ricerca di un bellissimo film da poter esaltare, ma so che sicuramente fa parte del mio essere, nel bene e nel male.

Questa apparentemente inutile premessa serve a dire che vorrei che fosse ben chiaro a tutti che, conoscendo i miei limiti, sono assolutamente nel pieno delle mie facoltà mentali, quando affermo senza ombra di dubbio che L’assaut, muscolare pellicola francese basata su di un fatto reale, è un grandissimo film di cui vi consiglio caldamente la visione.

Siamo alla vigilia di Natale del 1994, quando un commando di quattro terroristi della GIA, prendono in ostaggio un aereo AirFrance in partenza da Algeri alla volta di Parigi. Inizia il balletto diplomatico dei negoziati, ma appare chiaro fin da subito che dovranno essere le forze speciali francesi a sbloccare la pericolosa situazione di stallo.

Pellicola dura come il cemento, che poco spazio lascia all’azione fine a se stessa, ma che si concentra sui fatti, le parole, gli sguardi e i respiri degli attori coinvolti in questa sporca faccenda, L’assaut colpisce duro ai nervi e ai dotti lacrimali, arrivando a raggiungere un livello di coinvolgimento ed empatia davvero rare. I membri della squadra d’assalto e i loro familiari, i dubbi e gli ordini, fanno da corollario ad un film di luci ed ombre, in cui la cronaca si mescola con il cinema.

Senza una sbavatura di troppo L’assaut si dirige spedito verso il suo tesissimo finale, regalando allo spettatore attonito venti finali minuti di grande cinema, ricostruendo dettaglio dopo dettaglio la vera irruzione, arrivando perfino a ricalcarne l’effettiva durata. E’ nella sua parte finale infatti che il film vola altissimo, lasciando dietro di se incertezze e dubbi, per riconsegnare alla nostra videoteca, un meraviglioso e mirabolante scontro a fuoco finale, vera ridda di piombo, sangue, dovere, dolore e fratellanza.

L’ultima inquadratura ci consente infine di liberare il cuore, permettendoci di deflagrare in un pianto liberatorio e catartico, seza alcun pudore e privi di qualsiasi imbarazzo, finalmente felici per quanto abbiamo visto e per una volta davvero grati per quello che il cinema è ancora in grado di regalarci.

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Prendete questo Kill List, film apparentemente banale, che pensa di sapere benissimo dove andrà a parare, pescando a mani basse dagli stereotipi più triti, eppure appena si pensa di averlo inquadrato, il film scarta e va da tutt’altra parte.

Addentrandosi con prepotenza nei territori dell’arcano e della pelle d’oca, Kill List, regala allo spettatore paziente un’esperienza indimenticabile, un lungo lunghissimo brivido da far gelare il sangue.

Non è raro trovarsi al cospetto di un bel film di genere, ma trovarne uno che inquieti così tanto è quasi impossibile. Kill List compie il miracolo e lo fa nel modo più semplice, spiegando pochissimo e lasciando molti interrogativi aperti, anzi spalancati. Da qui lo spettatore deve cercare di trovare un filo, una spiegazione e una razionalizzazione, che ai fini dell’orrore non è poi così importante.

Giocando con le nostre paure più ancestrali e ferine, facendo leva sui desideri corrivi e una sete di sangue primitiva e incancellabile, il film resta appiccicato alla retina e alla pelle, anche grazie ai convincenti ed inediti volti dei suoi protagonisti sempre ad un passo dalla disperazione.

Indelebile cavalcata nei surreali territori del paganesimo, fatta di pochissime parole (una su tutte: …thank you), tanto sangue e di un paio di sequenze da urlo, Kill List resta indecifrabile ed alieno, oggetto cinematografico potente e sctrisciante, subdolo e surreale. Pur non avendo a disposizione tra le frecce del proprio arco alcun colpo di scena, gli ultimi quindici minuti restano da antologia. Minuti di impressionante intensità, capaci di spazzare via in un batter d’occhio certezze e concretezza, travolgendo le nostre difese semplicemente con la complicità di una spiazzante e agghiacciante risata di scherno.

Avercene di film così. Consigliatissimo a tutti gli appassionati.

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Parabola di egoismo, onanismo ed impossibile empatia verso il prossimo, il film diretto da Steve McQueen, mette in scena l’ossessione di un uomo per se stesso e la sua incapacità di potersi occupare di alcuno che entri anche in maniera accidentale nel cerchio delle sue frequentazioni ed affetti, condannandolo così ad una completa astinenza da ogni rapporto umano e rendendolo di fatto immune alla compassione e al perdono.

Cecità e malattia, perversione e perdita, Fassbender si espone nudo e senza difese al pubblico ludibrio della vita, presentandosi senza sconti all’impietoso giudizio di tutti, ma soprattutto di se.

Film durissimo, sia da vedere che da vivere, nichilista e senza sconti, pronto ad estremizzare e portare fino in fondo una poetica distorta, disperata ed ipnotica. Metafora raggelante e chirurgica di una società moderna, profondamente smarrita nella contemplazione di se, Shame racconta un mondo vuoto e popolato da fantasmi, in cui il sentimento viene severamente punito e l’amore non esiste più.

La vergogna espressa dal titolo è quella che prova il protagonista verso se stesso e la propria vita, impossibilitato a cambiare e cambiarsi, deciso a provare, ma destinato a fallire. La vergogna è quella dello spettatore che si riconosce in Brandon-Fassbender, così profondamente solo e così determinato a perpetrare se stesso e i propri bisogni a discapito di tutto e tutti. Gli fa da contraltare l’innocenza della sorella Carey Mulligan, altrettanto sola e disperata, altrettanto incapace di scappare da se stessa, ma estranea al calda coperta dell’egoismo.

Aspetti speculari e complementari di una società e di un’umanità profondamente divisa, smarrita in se stessa,  disperatamente alla ricerca di un significato o più semplicemente di un abbraccio.

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In quegli anni capitava spesso di rivedere un film una volta e mezzo o forse due, il meccanismo era semplice: si entrava a pellicola iniziata, si aspettava la fine, si riguardava la parte mancante e poi se il film era stato di nostro gradimento lo riguardavamo tutto un’altra volta.

La talpa, ma il titolo originale Tinker tailor soldier spy, è di ben altra classe, è un film che appena terminato, vorresti subito rivedere. Perchè? Semplice, si tratta di uno splendido, splendido film, di quelli che si facevano molto tempo fa.

Pellicola di attori e di dettagli, cesellata inquadratura dopo inquadratura sui maturi lineamenti dello straordinario volto di un Gary Oldman da Oscar, La talpa si rivela lentamente, esattamente come l’identità del traditore che sta alla base del suo titolo. Catturando lo spettatore fin da subito e portandolo lontano con se in un altro quando, fatto di guerra fredda, segreti, tradimenti e uomini.

Lo Smiley di Oldman, lento ed inesorabile ci conduce alla verità, regalandoci sguardi, accenni e dettagli, che solo alla fine convergeranno in una degna e tesissima soluzione. Smarriti in un labirinto vintage mai troppo compiaciuto di se, di spie, doppi giochi e false piste, destinati a ritrovare noi stessi e la dignità di un passato fin troppo presente, condannati a condividere e capire le sorti di un mondo traboccante dignità, noi spettatori comuni restiamo allibiti, attoniti e disarmati di fronte alla rappresentazione lentissima e calligrafica di un indimenticabile palcoscenico di ombre.

Un’alzata di spalle, un cenno del capo, un sussurro, un timido abbraccio e una vecchia fotografia, una festa di Natale, qualche pezzo degli scacchi, una scarpa slacciata e una pallottola in pieno volto, dettagli appunto di un puzzle più grande e magniloquente intriso di vero e puro cinema. Quel cinema che ti fa affrontare il diluvio universale a testa alta, capace di riempirti il cuore come una coppa di buon vino, risollevarti da terra e lasciarti imbambolato e senza parole. Quel cinema fatto di uomini, donne, parole e gesti, non certo di effetti speciali e terze dimensioni. Cinema di sottrazione e di silenzi.

Grande, grande, grandissimo cinema di un tempo che fu.

J.Edgar ha i grandi pregi e i pessimi difetti della visione di cinema del vecchio leone. Ben lungi da essere perfetto, appellativo in cui ultimamente solo Gran Torino può orgogliosamente ritrovarsi, il nuovo Eastwood, convince per la lua lirica classicità e delude per la mancanza di una vera struttura. Privo di un’architettura e di una direzione il film affastella elementi ed inquadrature, episodi di cronaca investigativa e complotti da corridoi del potere. La sensazione purtroppo un pò irritante, accentuata dai continui sbalzi temporali, è quella di uno smarrimento sterile, che sommerge di informazioni e retorica lo spettatore impreparato, lasciandolo sì satollo, ma anche piuttosto spaesato.

Eppure c’è molto altro in J.Edgar e non notarlo sarebbe far torto alla pellicola stessa e al suo muscolare ma anche lirico regista.

A saper ben guardare infatti, il film regala più di una sensazione fortissima, sensazioni ed emozioni da ricercarsi nelle sequenze in cui è la vita privata e personalissima di Hoover a finire sotto i  nostri pietosi occhi. In quel momento le difese cadono e l’umanità negata, l’amore nascosto e trattenuto, che hanno contraddistinto la vita di un uomo, qui ne buono ne troppo cattivo, prendono il soppravvento, regalandoci emozioni vere e potenti, capaci di riempire il cuore. Sono proprio queste le sequenze migliori di un film che avrebbe forse voluto essere più personale e privato, ma che resta schiacciato dal peso della Storia che racconta.

Film strano a guardarlo al microscopio, una Storia che sa regalare uno scarto finale da manuale, riflettendo e facendoci riflettere sulle menzogne e le verità che stanno alla base di tutto ciò che abbiamo appena visto. Libertà espressiva e beffarda rivincita che Eastwood sembra prendersi, come a dimostraci una volta di più che quello che lui fa è solo cinema e il cinema è finzione, romanzo, descrizione non fedele di ua realtà accresciuta ed abbellita. Eastwood riflette sul cinema e sulla realtà vera e propria, consegnandoci una critica molto acuta sull’interpretazione dei fatti e sull’informazione, di fatto un atto di accusa e d’amore verso il mezzo cinematografico, impossibilitato a raccontare la verità e condannato ad essere una rappresentazione fasulla di qualcosa che può solo splendidamente apparire, ma mai davvero orgogliosamente essere.

Esattamente come il suo J.Edgar.

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Houssy

The WordPress.com stats helper monkeys prepared a 2011 annual report for this blog.

Here’s an excerpt:

The concert hall at the Syndey Opera House holds 2,700 people. This blog was viewed about 37.000 times in 2011. If it were a concert at Sydney Opera House, it would take about 14 sold-out performances for that many people to see it.

Click here to see the complete report.

Giovedì pomeriggio, in una sonnecchiosa sala di periferia, con il Natale ormai alle spalle, io, mia moglie e mia figlia ci facciamo incantare da Il figlio di Babbo Natale, pellicola d’animazione per bambini in attesa di essere stupefatti e adulti desiderosi di tornare ancora una volta piccini.

Probabilmente basterebbe la prima straordinaria sequenza in odore di Mission:Impossible, a conquistare per sempre nel nome del film, un posticino nel nostro cuore, ma fortunatamente per noi, c’è ancora tanto, tantissimo da vedere e il film è cominciato da appena dieci minuti. Attraverso le avventure della famiglia Natale, di un manipolo di coraggiose renne e di un determinatissimo elfo impacchettatore, la magia della festa si compie sotto i nostri occhi, intatta e ancora una volta più magica che mai, nonostante la sua pedissequa riproposizione in decine di pellicole dedicate all’evento natalizio.

Il copione è probabilmente sempre lo stesso, infarcito di volta in volta di anticonformismo, zuccherina bontà e sciocca dabbenaggine, eppure l’odissea natalizia della magica slitta che deve essere trainata attraverso la notte da un capo all’altro del mondo, non smette mai di stupire e regalare emozioni, uno stupore che si rinnova anche in questo sincero ed emozionante film.

L’odissea di Arthur fratello minore e sognatore, vero erede di uno spirito natalizio vecchio di centinaia d’anni, regala a chi sa scorgerle, gemme di splendido, innocente cinema. Il regalo dimenticato verrà recapitato in tempo? Chi sarà il nuovo Babbo Natale? Riuscirà l’elfo impacchettatore a completare il suo lavoro con soli tre pezzi di nastro adesivo? Queste ed altre domande troveranno risposta sullo schermo e nei nostri cuori, colmi di meraviglia e commozione, nella migliore tradizione natalizia di sempre, a perpetrare ancora una volta una promessa di umana speranza e necessaria fiducia.

Una promessa grande come la lettera di una bambina ad un uomo vestito di rosso, con barba bianca e una discreta pinguedine.

Un sogno ad occhi aperti chiamato Babbo Natale.

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Il gatto con gli stivali è veramente un brutto film, semplicemente, senza scuse e senza attenuanti. Certo l’animazione è sublime e conquista al primo fotogramma, ma sono il cuore, l’anima e a dire il vero anche la sceneggiatura a difettare in questo pastiche felino, a metà strada tra la favola e il west. Non bastano una pletora di comprimari di lusso e un protagonista simpatico, per una volta ottimamente doppiato anche in italiano dal buon Antonio Banderas, a rendere memorabile un film, infatti come è noto, ci vorrebbe prima di tutto una cosetta chiamata storia. E’ proprio la tanto millantata epopea del Gatto con gli stivali a risultare priva di nerbo e sostanza, risultando ora della fine semplicemente un impalpabile pretesto.

Mixando poco sapientemente e soprattutto in modo poco omogeneo sequenze divertenti come quella del primo incontro con Kitty zampe di velluto, insieme ad altre talmente rutilanti da perderne il filo ed infine con siparietti e flashback poco azzeccati, Il gatto… giunge ad una conclusione quasi insperata e soprattutto attesa. Storia di vendetta e onore, con il grande problema di non convincere ne di divertire mai fino in fondo, il film dedicato al felino coi tacchi, è il classico prodotto Dreamworks, casa di produzione che ci ha ormai abituati ad impeccabili cartoni senza un briciolo di cuore, asettici come una clinica svizzera in cui non albergano ne passione ne compassione.

Spogliato di tutte le luci, i colori e le citazioni, quello che resta è solo un mediocre film d’animazione di intrattenimento, pronto a farsi dimenticare in un amen ed incapace di un minimo di empatia verso un pubblico certo indulgente, ma non ancora del tutto stordito.

Troppo cattivo? Vedere per credere.

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Al secondo capitolo Holmes non stanca, anzi raddoppia la posta in gioco e finalmente palesa la possente ed ingombrante fisicità del suo nemico giurato Professor Moriarty, in una sarabanda di situazioni a metà strada tra la baracconata da luna park, l’indagine in costume e il divertimento puro. Sono proprio le sequenze in cui i due arcinemici si scontrano verbalmente, in un continuo balletto di allusioni e sottili ammissioni, l’uno dedito alla contemplazione del lavoro dell’altro, a risultare il vero cardine su cui ruota l’intera vicenda.

Anche se il divertimento non manca mai, anzi spesso ci si dimentica di respirare, quello che affascina ed ipnotizza è la capacità analitica di Holmes, messa a dura prova dal genio criminale di Moriarty, una storia vecchia come il cucco, che però ancora regala emozioni e sano intrattenimento. Guy Ritchie da par suo, infarcisce la pellicola dei suoi marchi di fabbrica ormai consolidati, rallentamenti e velocizzazioni improvvise su tutti, regalando al film un’aria steam punk che non guasta affatto, anzi impreziosisce alcune altrimenti anonime sequenze, come quella tra i boschi.

Applausi a scena aperta per la coppia Downey Jr. e Jude Law, affiatatissima e costantemente sopra le righe, capace da sola di caricarsi il film sulle spalle e portarlo oltre il tempo e lo spazio. I loro balletti e battibecchi da vecchia coppia consumata, in odor di omosessualità latente, regalano luce ad un film insolitamente poco luminoso, ambientato quasi interamente in interni o al sorgere e calare del sole. Non sono da meno i comprimari, il già citato Moriarty di Jared Harris su tutti, vera conferma di uno straordinario talento d’attore con una predisposizione naturale per i ruoli da villain,

Sherlock Holmes – Gioco di ombre non è il miglior film di questo periodo, ma è sicuramente il più divertente, scanzonato ed onnivoro, capace di mettere d’accordo tutti quanti, grazie all’immortale materiale su sui si basa, l’epopea di un investigatore brillante e del suo geniale nemico, pronto ad uccidere.

Una storia vecchia come il mondo, eppure ancora capace di stregare, ora come allora, grandi e piccini.

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In time appartiene ovviamente al secondo tipo ed è una fortuna, perchè si tratta della fantascienza che preferisco.

In un futuro non troppo lontano gli esseri umani non invecchiano ne si ammalano più, mentre il tempo è diventato l’unico bene degno di avere un valore. Non vi rivelo altro, vi basti però sapere che come in ogni buona storia di science/fiction in un mondo in cui il tempo è l’unica moneta corrente, i ricchi possono davvero vivere  per sempre, mentre i poveri vedono fin troppo presto assotigliarsi le loro prospettive di vita.

In mezzo c’è tantisima azione, il bravo Justin Timberlake, la sensuale Amanda Seyfried, l’integerrimo poliziotto del tempo Cillian Murphy e un sacco di corse a perdifiato sul filo del rasoio, mentre la regia di Andrew Niccol cerca di raccontare il domani con l’urgenza di una paurosa plausibilità.

Purtroppo però la pellicola è discontinua e se la prima parte è blindata e meravigliosamente coinvolgente, la seconda molto più action, si sfilaccia in fretta, perdendo mordente e trasformando il film in un perenne inseguimento, dove le pause risultano ristoratrici ma troppo rare. Dimenticando per strada la parabola politica e polemica costruita dalla prima parte, il film si butta a capofitto nell’azione, restituendoci un’interminabile serie di corse contro il tempo, che troppo poco hanno da spartire con lo spirito sovversivo insito nel concetto di base.

Prova riuscita per metà quindi per il sempre bravo Niccol, responsabile dei folgoranti Gattaca e S1mone, dello splendido Lord of war e della sceneggiatura di The Truman Show, autore poco prolifico, ma portatore sano di una visione e di una poetica molto pecise.

Una sequenza comunque vale l’intero film, facendo pendere l’ago della bilancia dalla parte di un giudizio positivo, si tratta di una corsa a perdifiato contro il tempo, di una madre che cerca disperatamente di raggiungere in tempo il figlio. Una scena forse commovente nella sua semplicità, eppure per un lunghissimo istante il vero cinema vibra e fa sentire la propria voce, mentre ci accorgiamo che anche noi tutti siamo sempre in corsa contro noi stessi, per tentare di raggiugere l’alba di domani.

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Più dello scandalo della tesi proposta infatti, del film di Emmerich colpiscono la sontuosità e l’incedere estremamente incalzante, puntellato da intrighi di corte, sbalzi temporali ed escursioni squisitamente teatrali nel mondo delle tragedie di Shakespeare. Proprio quest’ultimo elemento conquista il pubblico, non solo quello elisabettiano, regalandoci almeno una sequenza, quella tratta da Enrico V, da riportare a casa, avvolta tra le pieghe del cuore.

Anche quando non racconta la fine del mondo o le meraviglie dello spazio Emmerich non perde un grammo della sua tonitruante spettacolare arroganza, specchio di un cinema blockbuster non però privo di un  pizzico di anima. Anonymous scorre e corre verso la sua degna conclusione, omaggiando di fatto un’epoca e le ombre che ne hanno preso parte, attraverso le parole e i versi di un poeta che a discapito del dibattito sulla sua identità, sarà ricordato per sempre come il più grande drammaturgo di tutti i tempi.

Momenti come quello già citato, in cui il pubblico si infervora alle parole di un semplice attore, rievocando la battaglia di Agincourt, o come la furibonda e disperata carica del popolo alla volta della torre di Londra, valgono comunque la visione, facendo di fatto brillare di fulgida luce propria un film, che comunque non è mai ne mediocre, ne stupido.

Comunque la si guardi, la questione è sempre una sola e la si può riassumere con le parole del grande bardo: Essere o non essere… Anonymous sceglie di essere, fino in fondo, con tutte le sue forze, credendoci con tutte le sue forse e di fatto facendolo credere anche a tutti noi.

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La cosa che stupisce e soprattutto convince di più è il tipo di approccio che la pellicola suggerisce. Guardando il trailer si ha l’impressione di trovarsi di fronte alla solita vecchia storia, fatta di politica corrotta e di un giovane di buone maniere e intenzioni, costretto a scegliere tra la fedeltà alla causa e la verità.

Niente di male in questo, ma è una trama che abbiamo già visto dozzine di volte, Le idi di Marzo però va oltre, molto oltre, e ci regala una storia ben diversa. Le insidie, le promesse e le menzogne della politica sono spiegate e vivisezionate dal nuovo film del Clooney regista, capace di ritaglirsi qualche sequenza e di lasciare largo spazio e margine al sempre più manifesto talento di Ryan Goslig.

Pellicola che parte probabilmente lenta, per poi trascinarci con se nel buio dell’anima di un’istituzione cinica e instabile, Le idi di marzo ha il grande pregio di mostrarci i moderni meccanismi che sottendono accordi, alleaze e decisioni. Spogliando la politica di qualsiasi idealismo e poetica visione votata al perpetrarsi della verità, il film acquista vigore e asciutta compattezza, restituendoci un’istantanea fedele e pragmatica della realtà in cui versa un sistema che va a braccetto con informazione e disinformazione.

Il grande merito è tutto da ricercarsi anche nello stile estremamente privo di climax, quasi chirurgico, con cui vengono esposti fatti e personaggi, pedine e giocatori ad un tempo, di un gioco privo di dignità, integrità e prospettiva.

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L’idea è quella di fornirvi un calendario dell’avvento, da sfruttare in queste feste. Un post al giorno per 24 giorni, pubblicato allo scoccare della mezzanotte. La selezione delle pellicole è piuttosto atipica, ma soprattutto arbitraria. Dalla commedia al dramma, passando per la tv e l’animazione, senza però scordare quei film che , anche se non strettamente a tema natalizio, hanno da sempre scandito il periodo delle feste, o più semplicemente rappresentano un nostalgico ricordo a cui attaccarsi pervicacemente.

Lo confesso, scegliere l’ultimo tassello di questo viaggio è stato semplice, anzi devo ammettere, che mentre mi accingevo a preparare i bagagli, per così dire, avevo già in testa la mia destinazione.

Per i profani, ogni stagione del Doctor Who è preceduta da una puntata speciale di Natale, una succulenta anteprima, di solito slegata da qualsiasi contesto, che anticipa temi, atmosfere e a volte protagonisti, della serie vera e propria che seguirà a breve. Nessuna serie televisiva mi ha mai commosso, emozionato e scosso come il Doctor Who, era quindi opinabile ed indispensabile da parte mia sdebitarmi e dedicare al mitico ed amatissimo Dottore la visione della vigilia di Natale.

Dato per scontato che ogni singolo episodio meriterebbe la vostra considerazione e soprattutto quelli natalizi sarebbero felici destinatari della vostra stima, devo ammettere che tra tutti, il mio amore incondizionato va ad una particolarissima interpretazione del Canto di Natale, che precede la sesta serie.

Complici due special guest d’eccezione come Michael Gambon e soprattutto l’angelica Katherine Jenkins, il Canto di Natale del Doctor Who apre una frattura non solo nello spazio tempo, ma anche nei nostri cuori. Fantasioso, pieno di spunti, trovate e suggestioni, il Dottore si fa largo nell’anima stessa del Natale usando come mezzo potentissimo e sublime, la poesia.

La voce della Jenkins, il Natale, un manipolo di squali e la Londra di un tempo che fu e che sarà, si mescolano tra le pieghe del tempo piegato dal Dottore, riportando alla luce il vero spirito della festa più magica di tutte, mostrandoci un’umanità e una compassione, talmente straziante da lacerare il cuore.

Doctor Who, la miglior serie televisiva di sempre, attraverso le sue numerose incarnazioni ha dato un significato nuovo alla parola uomo, nuova luce alla parola donna e nuova dignità e senso a quella nube oscura ed impenetrabile che chiamiamo futuro.

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Equamente diviso tra un corpo da commedia, un’accattivante serie di suggestioni action e un’anima tutta drammatica, il film diretto da Brett Ratner risulta simpatico a prima vista, salvo poi restare anche piacevolmente conficcato in testa.

Ben lontano dal facile umorismo e punteggiato da una serie di riflessioni che hanno il sapore dell’empatia, Tower Heist mette in scena la storia di un furto ai danni di un uomo arrogante, colpevole di aver sottratto fior di quattrini ai poveri cristi che lavorano per lui. Siamo ovviamente dalle parti della crisi economica e dei grandi manager arraffa soldi, che si sono arricchiti sulle spalle degli umili risparmiatori, appare quindi immediatamente chiaro come una pellicola come questa sia estremamente attuale e capace di suscitare sentimenti di condivisibile rivalsa.

Come un qualsiasi film della serie Ocean’s l’intera pellicola  lavora per arrivare al colpo finale, porgendo anche molto volentieri il fianco all’affettuosa caratterizzazione dei suoi simpatici personaggi. La sensazione ora della fine è quella di trovarsi di fronte ad un film più complesso e profondo di quel che può sembrare in un primo momento, che nulla risparmia allo spettatore ben predisposto, dalla vendetta al divertimento, dalla giustizia al colpo di scena, senza disdegnare mai di regalare una strizzatina d’occhio o un dettaglio surreale.

Scanzonato ma riflessivo, leggero ma non etereo, Tower Heist è una bella sorpresa, il gradito ritorno di un Eddie Murphy in splendida forma (non è il solo) e la conferma ulteriore che un gruppo di affiatati attori può fare sempre e comunque la differenza.

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