THE BAY

Il cinema è incredibile.

Tu spettatore ti accomodi in sala, convinto di vedere il solito film poco originale a base di found footage, telecamera claudicante e orrore spicciolo, quando ti accorgi improvvisamente e con tua grande meraviglia di non riuscire a staccare gli occhi dallo schermo, nemmeno per il tempo di un singolo battito di ciglia.

Le ragioni che rendono The Bay un piccolo gioiello e a suo modo il primo mattone che va ad inaugurare una nuova stagione del cinema, sono principalmente due e sono complementari l’una all’altra. La prima è la maestria con cui è diretto, non usando un unico punto di vista, ma generando un ibrido mix tra tutti i possibili mezzi espressivi multimediali; mentre la seconda, consequenziale alla prima, è la scoperta che in cabina di regia c’è nientemeno che Barry Levinson, in parte anche responsabile dell’idea che sta alla base della sceneggiatura.

IL CECCHINO

Senza tanti inutili giri di parole, c’è qualcosa di preoccupante, anzi di storto e di sbagliato, nella decisione di Michele Placido di andare oltr’alpe per dar vita al suo nuovo film, che fino a prova contraria è un sì polar, ma prima di ogni altra cosa è un buon film di genere, teso, ben diretto e con una sceneggiatura che funziona, insomma un’occasione mancata per fare incasso nel nostro bel paese.

Forse la ragione sta nelle pieghe della strisciante consapevolezza che se un film simile fosse stato prodotto in Italia, probabilmente avrebbe incassato pochino, a dispetto dell’ottimo cast, sicuramente molto meno rispetto a pellicole come Benvenuto presidente o Principe azzurro cercasi. Ancora una volta, sembra che questo paese voglia solo la commedia e sia disposto a premiare solo quella. Ecco dunque lo specchio di un cinema che sembra esclusivamente abitato da pellicole mediocri, fatte con lo stampino, incapaci di qualsiasi guizzo di fantasia, prodotte in un panorama in cui anche alcuni autori si sono dovuti piegare a questo dictat della risata a tutti i costi.

COMPLIANCE

Ecco uno di quei film di cui meno sapete e meglio è.

Potrei fermarmi qui per paura di svelare troppo, ma prometto di non fare accenni alla trama più del necessario e soprattutto giuro che mi impegnerò nel convincervi a cercare, scovare e vedere Compliance, un grande film.

Peccato che si tratti di una pellicola che in Italia per oscure ragioni non vedremo mai e quindi sarete costretti ad usare l’arma impropria del download, probabilmente discutibile, ma al momento l’unico mezzo che vi consenta di vedere pellicole che nel resto del mondo mietono premi e consensi, mentre da noi restano colpevolmente invisibili, introvabili e pericolosamente occultate, ma questa è un’altra storia.

PROMISED LAND

Al di là della sua prevedibilità e perfino di una certa ingenuità di fondo, il nuovo film diretto da Gus Van Sant ha una sua completezza, una sfacciata, timida ed abbagliante tenerezza, un’invidiabile quadratura del cerchio, che probabilmente si deve solo alla mano del suo autore.

Regista cinematograficamente bipolare, che a volte dirige film estremamente sperimentali, mentre altre si accontenta di firmare progetti decisamente più mainstream, Gus Van Sant non delude e il suo Promised land conquista il cuore, lasciando la mente libera.

HITCHCOCK

Pensate all’entusiasmo di chi scrive, appassionato di cinema fin dalla più tenera età, all’idea di assistere ad un film che non solo racconta di uno dei più grandi registi mai vissuti, uno dei suoi preferiti per inciso,  che non solo si concentra sulla sua opera più controversa ed innovativa, quello Psycho che ha ridefinito le regole del thriller gettando le basi del moderno horror, ma che oltre a tutto ciò e’ interpretato da due attori straordinari come Anthony Hopkins ed Helen Mirren.

Ora immaginate la cocente delusione di chi scrive, nel constatare che Hitchcock e’ un film anonimo, quasi dimenticabile, che intrattiene sì per tutta la sua durata, mandando in solluchero il cinefilo con citazioni ed aneddoti, ma che una volta finito, scivola lentamente nell’oblio del già visto, liquidabile con l’odioso aggettivo, “carino”.

BEASTS OF THE SOUTHERN WILD

Proprio vero che in un film ci si può vedere tutto e il contrario di tutto.

Solo così riesco a spiegarmi l’estatica aurea di intoccabilità che avvolge questo film che miete successi da ormai un anno, a cominciare dal Sundance fino alla candidatura ai prossimi Oscar.

Purtroppo chi scrive fa parte dei pagani, di coloro che di fronte alle peripezie della piccola (e straordinariamente brava bisogna dirlo) Hushpuppy non sono rimasti folgorati dallo splendore della luce che questo film sembra emanare per qualcuno.

ZERO DARK THIRTY

Necessario ed ingombrante, estenuante e splendido, l’ultimo film di Kathryn Bigelow ha la forza di una mattonata e l’urgenza del miglior cinema.

Film bellico che fa della guerra un’esperienza interiore e logorante, capace di cambiare gli uomini, e soprattutto le donne, dal di dentro oltre che dal di fuori, Zero Dark Thirty, gioca la sua partita a metà strada tra il campo di battaglia, con l’umanità che lo abita, indagandone i volti segnati dalla stanchezza ed indugiando sui visi deformati dalla tortura, e i corridoi in cui si prendono le decisioni, uffici asettici e tutti uguali, percorsi da uomini dai lineamenti più rilassati e mossi da motivazioni fin troppo diverse.

LES MISERABLES

Bisogna forse trovarcisi per capire fino in fondo l’emozione incontrollabile che ti travolge alla fine del primo atto de Les Miserables, quando per la prima volta lo vivi nella tua pancia, asciugandoti le lacrime in silenzio, nel buio di un teatro del west end londinese, durante un sabato pomeriggio autunnale.

Bisogna forse vivere sulla propria pelle, quell’incredibile emozione che solo la musica unita alla recitazione sa regalare, per comprendere le profonde ragioni che rendono assolutamente dimenticabile, forse a tratti addirittura detestabile, la riduzione cinematografica di questo capolavoro che continua a registrare il tutto esaurito da ormai 27 anni suonati.

CLEANSKIN

Difficile coniugare riflessione ed intrattenimento, due concetti che per esempio in Italia sembrano in antitesi, eppure ancora una volta è proprio dalla terra di Albione che ci arriva una delle più lucide ed interessanti analisi sul tragico e complesso fenomeno del terrorismo.

Con il termine cleanskin si intendono quei terroristi apparentemente slegati da cellule già note all’intelligence, quei martiri che sembrano agire in modo indipendente ed imprevedibile, fenomeni isolati, molto difficili da arginare e  classificare.

DJANGO UNCHAINED

E’ interessante pensare come due film che escono quasi in contemporanea, il Lincoln di Spielberg e questo Django di Tarantino, si occupino entrambi di schiavitù, facendolo in due modi antitetici e non necessariamente complementari.

Se nel film di Spielberg questa abbietta attitudine terribilmente umana viene trattata in modo estremamente astratto, scolastico, quasi algido, relegando l’argomento alle aule e ai dibattiti forbiti in punta di fioretto, l’opera di Tarantino al contrario, sceglie la strada della concretezza e della passione, annegando la sua pellicola nell’odio e nell’ipnotico colore rosso del sangue, che va a lordare la pelle bianca e la pelle nera in modo indiscriminato e forzatamente democratico.

THE MASTER

The Master è la storia di due follie. Lucide e consapevoli, si incontrano e si riconoscono. Poi si dicono addio.

Può dunque un pazzo, prendere parte alla pazzia di un altro pazzo? La risposta semplice e cristallina è negativa, nessun folle può partecipare alla follia altrui, ma tenterà di affermare la propria, comunque, sempre, ad ogni costo.

Paul Thomas Anderson costruisce un film che affonda le proprie radici in una purezza classica che lascia attoniti. Si è parlato tanto delle straordinarie performance dei due protagonisti, e a ragione per carità sono entrambi da togliere il fiato, ma trovo che questa valutazione sia profondamente ingiusta nei confronti di una pellicola che possiede un rigore, prima di tutto nella sostanza che nella forma, da pietrificare il sangue nelle vene.

LINCOLN

Io posso solo immaginare l’ondata di patriottico entusiasmo e di orgoglio nazionale, che accompagnerà il nuovo lavoro di Spielberg, film che probabilmente lo vedrà trionfatore alla fine di Febbraio, al cospetto di una grata ed ossequiosa Academy, desiderosa di tributare il dovuto onore ad un regista, un presidente e una nazione, tutto nella stessa serata.

Posso quasi sentire lo scolastico entusiasmo che ha attraversato gli studenti della quasi totalità dei plessi scolastici degli Stati Uniti d’America, nel momento in cui si sono seduti in sala per vedere quello che di solito studiano solo sui libri di storia, facendo quasi a gara nel riconoscere quel deputato, quell’aneddoto o quella lampada ad olio.

Purtroppo però, io sono italiano.

ARGO

Non è affatto facile parlare di un film su cui più o meno tutti hanno già detto la loro opinione.

Destino ingrato di chi arriva buon ultimo dopo l’intera rete, quello di provare a dire qualcosa di nuovo, senza sembrare stupido o semplicemente banale.

Argo è uno splendido film, diretto con mestiere da quella garanzia che ormai è diventato Ben Affleck, eppure, per chi scrive, questa terza prova da regista del talentuoso Ben non ha la spontanea urgenza di raccontare di Gone baby gone, ne soprattutto la forza e la massiccia mascolinità di quel The Town che è stato fin troppo sottovalutato e che io ho personalmente amato alla follia.

SOUND OF MY VOICE

Noi spettatori alla fine siamo persone semplici.

Non abbiamo bisogno di insistiti colpi di scena, trovate raccapriccianti ed epifanie dell’ultima ora, ci basta una buona manciata di intelligenza, qualche bel dialogo ben scritto e un incedere elegante, aiutato da una regia degna di questo nome. Insomma abbiamo bisogno di un film che non vada ad intaccare la nostra autostima, telefonando fin troppo ed arrivando a giustificare qualsiasi bivio narrativo.

Sound of my voice si classifica ai primissimi posti tra le pellicole più intelligenti dell’anno, entrando lentamente ed inesorabilmente nella mente dello spettatore, arrivando a restituire uno spettacolo stimolante, mai banale, ricchissimo di domande e finalmente avaro di risposte.

IO e TE

C’è un momento in Io e Te, quello in cui erompono le note e i versi di Ragazzo solo/Ragazza sola, versione italiana di Space Oddity anch’essa eseguita dal Duca Bianco,  in cui Bernardo Bertolucci costruisce una sequenza perfetta, di rara bellezza, grazie alla quale ci è finalmente tutto chiaro.

Quel poetico, impacciato e commovente balletto tra un fratello e una sorella, praticamente estranei ma mai così vicini, affini e complementari, ci fa esplodere nella testa come una supernova il significato della nostra presenza lì, in quella sala cinematografica a vedere il nuovo film di un grande maestro del cinema.

E’ il significato e l’essenza stessa dell’adolescenza che si palesa ai nostri occhi inumiditi dalle lacrime, quel momento estremamente delicato fatto di troppi dubbi ed altrettante certezze, quel misto di rabbia, sicurezza e delicata fragilità. Io e Te ci riappropria, come spettatori di un cinema italiano sempre più perduto a raccontare l’ombelico di padri e madri impegnati ad innamorarsi della loro decrescita, del valore e della responsabilità di quell’età ingrata, irripetibile, delicatissima e splendida, che troppo spesso fingiamo di dimenticare.

MAGIC MIKE

La prima cosa che salta agli occhi guardando Magic Mike, ultima fatica di un regista (Steven Soderbergh) che personalmente non smetterò mai di seguire ed amare, nonostante la sua altalenante capacità di stregarmi, è la mancanza di tutto quell’apparato di sensi di colpa, miseria, tristezza e decadenza, tipici della maggior parte delle pellicole che trattano l’intrattenimento per adulti.

E’ decisamente molto facile farsi contagiare dalla gioia e dall’elettricità che scaturiscono dalle esibizioni sul palco dei protagonisti, ragazzi e uomini diversi tra loro, ma tutti accomunati da una grande sicurezza in se e da invidiabile consapevolezza del proprio corpo. Non troppo diverso dalla solita parabola di ascesa, caduta e resurrezione che tante e forse troppe volte abbiamo visto in sala, Magic Mike riesce ad essere comunque fresco e mai crepuscolare, lontano milioni di anni luce dal moralismo e dallo stucchevole imbarazzo che ci si aspetterebbe da un film dedicato allo spogliarello maschile.

KILLER JOE

Killer Joe e’ l’anima e la coscienza putrida di un paese abitato da macilenti fantasmi piegati dalla vita. Joe e i protagonisti che si affacciano al suo palcoscenico osceno, sono corpo e anima divisa tra buone intenzioni, avidità, amore, violenza e sesso.

Come ognuno di noi, nel suo profondo e’ diviso tra pulsioni e razionalizzazioni, così il padre, il figlio, la matrigna, il killer e la candida figlia minore, sono in conflitto e scontro, decisi a prevalere e a sopravvivere. Come treni che corrono sullo stesso solitario binario, destinati ad un’imminente collisione, così le diverse anime di Killer Joe si fondono sferraglianti, lasciandoci attoniti, spaventati e svuotati.

KILLING THEM SOFTLY

Molto di più del piatto Cogan (titolo italiano che ancora una volta non osa, prendendo di peso il titolo del libro da cui il film è tratto e relegando quello originale in seconda fila), il ben più evocativo Killing them softly (cioè, Uccidili dolcemente), sembra riferirsi più che alla filosofia di lavoro del killer Brad Pitt, ad un’intenzione più generale, globale, in cui i poveracci di questo modo, vengono lentamente e dolcemente strangolati da un sistema che ormai è fuori controllo.

Probabilmente sto esagerando, ma questo bel film ambientato a ridosso dell’elezione di Obama, alla vigilia di una crisi mondiale che di fatto ha messo in ginocchio moltissimi e che sta ancora mietendo vittime da una parte all’altra dell’oceano, non può essere visto semplicemente come un thriller o un pulp movie alla Guy Ritchie, cosa che assolutamente non è, ma merita una lettura più profonda, forse polemica, sicuramente politica.

SEEKING A FRIEND FOR THE END OF THE WORLD

21 Dicembre 2012. Probabile fine del mondo?

Bisogna riconoscere ai Maya, oltre ad aver fomentato un monsone di paranoia collettiva e nutrito le tasche di una pletora di improvvisati santoni ed autorucoli dell’ultima ora, il merito indiscusso di aver regalato all’asfittico panorama cinematografico un briciolo di meritato respiro.

Mai come in quest’ultimo anno abbiamo assistito al fiorire di pellicole che hanno come pretesto narrativo la fine dei giorni, dell’umanità o della vita così come noi la conosciamo. Al fianco di imbarazzanti blockbuster (penso ovviamente a 2012 di Emmerich) e film d’autore (Melancholia di Lars Von Trier), si sono affacciati ai nostri schermi anche pellicole più dimesse ed altrettanto interessanti, che hanno saputo affrontare l’estinzione con garbo e con intensità. Se lo splendido Perfect sense ha già trovato asilo all’interno di queste pagine, ora è il momento di parlare del piccolo e sognante Seeking a friend for the end of the world, delicata commedia drammatica dai toni sentimentali ed insolitamente poetici.

EXCISION

Ci sono i film che siamo abituati a vedere, film belli, film brutti e poi c’è Excision.

Raramente una pellicola mi ha allo stesso tempo disgustato ed affascinato tanto, facendomi compiere di fatto un viaggio, quasi entomologico, sicuramente chirurgico, tra le pieghe della mente di un’adolescente.

Gli incubi della straordinaria, quasi ipnotica protagonista, Pauline, sono quelli di un’intera generazione che non si riconosce più, faticando perfino ad accettare per vera l’immagine che vede riflessa nello specchio, smarrita negli ideali e nei desideri, a metà strada tra i sogni solipsisti ed ipocriti dei genitori e la sciocca utopia suggerita da una società che vive e si alimenta di convenzioni.